SANDRA DESMAZIERES  

> Réalisatrice, Scénariste, Directrice de la photo, Scripte, Décors, Animation, Effets spéciaux, Graphiste,  Storyboardeuse, Création graphique, coloriste  

La couleur. On pourrait commencer par la couleur. Le travail de Sandra n’existerait pas sans la couleur vert  d’eau et ce qui s’y accorde ou contraste. Alors que dans sa formation, elle est d’abord à l’Ecole Duperré et  aimerait travailler le textile, elle bifurque une fois entrée à l’ENSAD en 1997 et se tourne vers le cinéma  d’animation pour s’exprimer pleinement. Ce qui l’attire est cette concordance des images, du son, du  mouvement. Elle a été marquée par ce premier exercice de cinq lignes qu’on lui demande de faire évoluer  par des dessins successifs en animation sur papier. Elle comprend et aime cet art de la transformation qu’on  retrouvera dans chacun de ses films. Le textile, pourtant, n’est jamais loin : dans les images que Sandra  nous offre, il est toujours question de motifs, de tissages et métissages des couleurs qui se superposent ou  se frôlent délicatement.  

Dans son premier film “Sans Queue ni tête” (2003), les jeux de couleur vibratoires, à l’huile, débordant du  cadre, viennent soutenir la narration : le quotidien difficile d’une caissière, inspiré de son expérience de  vendeuse en supermarché durant ses études. Le vermillon côtoie un vert-bleu délavé qui pose les bases du  nuancier qu’on lui connaît et qui reviendra dans l’ensemble de ses films en proportions diverses.  

Dans “Le thé de l’oubli” (2008), le rouge teinte l’ensemble du film. Il y est question du devenir des âmes  errantes dans la culture asiatique. Le rythme, bien que toujours fluide, pulse rouge, sang, vie et  réincarnation.  

Pour “Bao” (2012), le bleu froid domine. Une grande sœur responsable de son jeune frère Bao perd la  vue dans un accident de train et ne retrouve plus son frère. Le bleu semble renvoyer à la saison hivernale, et à la sensation liée à la mort des yeux de la grande sœur, fruit d’une peur qui a traversé Sandra un  instant.  

Quant au film “Comme un Fleuve” (2021), l’élément “eau” associé aux multiples bleus, y est central. L’eau  est conductrice et motrice du récit de séparation de deux sœurs, dont l’une parvient à fuir le Vietnam au  sortir de la guerre. Les intérieurs verts d’eau colorés du Vietnam des années 70 se déclinent et vont 

chercher les contrastes avec des motifs comme les flamboyants, ces arbres aux fleurs rouges vif,  emblématiques du Saigon de ces années-là. Puis les bleus se succèdent : bleu-mer des océans que  traversent les boat-people, bleu-gris plus froid du Canada, terre d’exil pour les protagonistes de l’histoire.  Ces histoires ne sont pas complètement autobiographiques, mais sans doute inspirées par les origines  vietnamiennes de Sandra, constituant des fictions à partir d’éléments familiaux, de récits de proches, de  voyages. Les scènes vietnamiennes du film ont sans doute été inspirées par l’expérience de son voyage au  Vietnam, en 1997, elle y note les couleurs, les textures, les motifs.  

Dans “Fille de l’eau” (2025), elle explore les dimensions psychologiques de l’eau et de ses bleus. S’y  développe l’histoire des pêcheuses d’ormeaux, coquillages, poulpes, inspirées des plongeuses japonaises ou coréennes et celle particulière d’une de ces femmes qui connait un amour et la perte d’un  enfant à naître. Les sensations, les émotions prennent vie avec l’eau, les fluides, les bleus et les profondeurs de l’océan. C’est un bleu sauvage, indépendant.  

Le travail de la couleur est donc un point de départ et d’arrivée dans les films de Sandra. En tant  qu’auteure, elle parvient à conjuguer les images inspirantes et les mots, récits personnels ou entendus en  scénarios originaux. Elle y joue des transitions, des transformations, une image en amenant une autre. Il y a  alors cette combinaison du soi, de la grande Histoire et celles singulières de ses personnages. Le montage  évolue sans cesse, est repensé pour aller dans le sens d’une poésie visuelle et servir le propos du film. Pour  la spectatrice ou le spectateur, l’idée est de se laisser porter par le rythme et la fluidité du film, comme  l’écoute d’une musique visuelle. Ce sont des films qui se regardent plusieurs fois : parfois on y interroge les  fins ouvertes, les suggestions ; parfois on se laisse davantage porter par l’univers, les tonalités, les  ambiances, les sons ; parfois on accompagne le personnage dans sa quête, dans sa détresse, dans sa joie  et ses émotions. La grande sensibilité des films de Sandra se tourne vers un public qui vient chercher la  singularité, l’inattendu, la poésie dans le cinéma d’animation. On y va pour voir comment Sandra va nous  raconter une autre histoire. Aussi pudique soit-elle quand il s’agit de parler de ses films, ils parlent pour elle.  Le mystère qui enveloppe le film au sortir de la séance est à méditer encore et encore, en infusion.  

Les prochains projets seront plus longs, l’un prolonge l’histoire d’un enfant à naître, de la volonté, du  parcours de la PMA, et vient explorer ce qui s’y passe à l’extérieur – dans l’hôpital – et l’intérieur au creux, en  creux dans les émotions du personnage, de sa traversée solitaire et personnelle. Nous attendons les  nouveaux récits de Sandra avec une douce impatience. Nous attendons les nouveaux récits de Sandra. 

Emmanuelle Tiêu 

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Confortablement installée sur son canapé à Angoulême, Amélie Harrault, fan invétérée de Shakespeare, de Théophile Gautier et de la littérature et peinture du XIXe siècle, m’a livré une partie de son expérience et de ses anecdotes. Celles-là mêmes qui l’ont menée à devenir réalisatrice de films d’animation. 

Ayant grandi entourée de livres d’art, et admiratrice du travail de Modigliani, Amélie se passionne très tôt pour l’art. Dès l’adolescence, elle se forme au dessin et à la peinture, et obtient un bac d’arts appliqués. Quand vient le temps de choisir sa voie, elle hésite entre la restauration de tableaux ou travailler dans l’animation. Après avoir exploré les différentes écoles, elle écarte la première option, ne se pensant pas assez solide en mathématiques et en sciences pour pouvoir y prétendre. C’est ainsi qu’elle opte pour une année d’histoire de l’art avant d’entrer aux Beaux-arts de Toulouse. 

C’est dans la ville rose, qu’elle découvre les VHS, les courts-métrages d’art et d’essai et qu’elle commence à tester différents médiums de manière intuitive : photo par photo, peinture sur verre… Ces expérimentations nourrissent son envie de se spécialiser dans l’animation qu’elle considère comme une discipline complète. Elle réalise alors que ce qui l’enthousiasme vraiment c’est de raconter des histoires, graphiquement et par le son, et de pouvoir jouer avec les images à sa guise : monter, démonter et remonter. 

En 2005, c’est tout naturellement qu’Amélie tente le concours de l’EMCA, qu’elle réussit. Elle y étudie pendant deux ans et développe son univers personnel. Elle y fait également la rencontre de futurs collaborateurs comme le réalisateur Serge Elissalde et le producteur Olivier Catherin qui lui apprennent d’anciennes techniques d’animation. A la fin de ses études, elle a l’idée d’un court-métrage autour de la figure d’une femme des années 1920,“Mademoiselle Kiki et les Montparnos”. Elle m’en dit plus sur son état d’esprit de l’époque :

“A la fin de l’école, j’avais ce court métrage en tête. Je ne savais pas encore si je continuerais dans l’animation, car je n’avais pas un profil technique pour rentrer dans des studios classiques. C’était “Soit ça marche, je vais réussir à le faire, soit je me retire.” Il y a toujours cette sensation de ne pas être dans le moule classique.”

Elle persiste pourtant et ce premier film, produit par la société les Trois Ours (qui n’existe plus maintenant), signe le commencement de l’aventure du court-métrage :

“« Mademoiselle Kiki… » a pris plusieurs années, j’ai beaucoup travaillé sur les ruptures graphiques pour donner une vision kaléidoscopique de ce personnage et du milieu qui l’entourait. A l’époque, mon envie était d’utiliser très peu de numérique; je me suis donc tournée vers l’animation traditionnelle papier, de l’encre, de la peinture sur verre, du papier découpé pour mélanger les registres. Ensuite, « Kiki » a eu beaucoup de succès. J’ai eu la chance de recevoir un César du meilleur court-métrage d’animation en 2014. C’était incroyable, je ne m’y attendais pas du tout. Je crois que j’ai mis deux ans avant de vraiment le réaliser. C’était assez dingue et le recevoir pour un premier projet était d’autant plus déstabilisant. C’est une reconnaissance mais on ne sait jamais si derrière il y aura autre chose, si ce n’était pas juste la chance du débutant.”.

Elle est ensuite rapidement recommandée par une connaissance à la société de production Silex Films qui cherche une réalisatrice pour une série adaptée de la trilogie “Bohèmes“, “Libertad!”, “Minuit”, de Dan Franck. Elle rencontre Judith Nora et son équipe après la projection de “Mademoiselle Kiki et les Montparnos” au festival Off de la BD d’Angoulême. Entre Amélie Harrault et Judith Nora, le courant passe directement. Si bien que quelques jours après leur première rencontre, la productrice l’appelle et lui confirme le projet “C’est bon, c’est toi, on y va.”.  Ce projet de commande, qui deviendra plus tard « Les Aventuriers de l’art moderne » est une série de 6×52 mélangeant archives documentaires et animation.

Le choix est porté sur une co-réalisation pour assurer la partie archives : les trois premiers épisodes sont co-réalisés avec Pauline Gaillard et les trois derniers avec Valérie Loiseleux. Amélie y trouve une continuité logique de ses précédents travaux, notamment avec l’évocation de l’art dans le Paris du XXe siècle. Reste un nouveau défi à relever : former un dialogue entre l’archive et l’animation. Pour cela, il a fallu trouver la bonne plasticité et les bons codes entre l’animation traditionnelle et le numérique afin de donner vie à l’écriture de Dan Franck, nourrie d’arches narratives et de cliffhangers.

Extrait Les Aventuriers de l’Art Moderne 

Après le court-métrage et la série, vient le temps du clip. En 2016, Amélie est appelée pour réaliser un clip de la chanson de Calogéro “Le monde moderne”. La seule indication donnée est d’avoir des clins d’œil à Jules Verne et pour le reste, elle a carte blanche ! Elle s’amuse. Au bout de deux-trois mois, ce projet, encore une fois singulier, prend vie. 

Calogero – Le monde moderne

Fort du succès des “Aventuriers de l’art moderne”, Silex Films qui a désormais son studio dédié à l’animation, Silex Animation, reprend les mêmes clés et réunit à nouveau Amélie Harrault et Dan Franck pour un nouveau projet. Ce dernier a l’idée originale de traiter de la période des romantiques en France en se concentrant sur des figures emblématiques comme Delacroix, Dumas, Sand. Arte, déjà partenaire des “Aventuriers de l’art moderne”, embarque de nouveau dans l’aventure, donnant beaucoup de libertés à l’équipe. 

Cette fois-ci, le défi est tout autre : la masse et la richesse de la matière iconographique se heurtent à l’absence totale d’archives filmées, compte tenu de l’époque traitée. 

La série se fera donc totalement en animation pour trouver un nouveau langage visuel et redonner vie à la peinture, l’Histoire et la littérature de l’époque.

Le travail de recherche prend alors une part importante de la vie d’Amélie. Elle se plonge dans les lectures et les visites de musées. Amélie et son équipe, une quarantaine de personnes, ont dû recourir à des stratagèmes pour montrer l’évolution des personnages sur une quarantaine d’années et la transformation de la ville de Paris. Avec ce projet, Amélie franchit un cap en passant au numérique.

“C’était ma volonté dès le début. Quand on a décidé de faire “L’Armée des Romantiques”, je me suis dit : “Je ne vois pas comment tenir le volume. La peinture sur verre, ça va être compliqué de le faire à grande échelle.” Il y avait la question du rendu graphique mais surtout la question des outils qu’on allait pouvoir mettre en place pour faciliter le travail avec des milliers d’images en couleurs à corriger rapidement. Je suis super contente de l’avoir fait, cela a permis une certaine souplesse et pour les décorateurs de multiplier les différentes techniques d’animation. Sans ce passage au numérique, on n’aurait pas pu faire la série de la même manière, ça a permis aussi d’utiliser des archives numériques et des gravures sur lesquelles on pouvait repeindre directement..”.

L’écriture est donc travaillée différemment en se basant sur une voix-off qui permet de broder le narratif autour. Amélie s’entoure de nouveau de Valérie Loiseleux et elles ajoutent Juliette Drouet et Daumier à la liste des personnages clés, souhaitant avec ce dernier faire la part belle à la caricature. Elles sont rejointes en cours de fabrication par Céline Ronté qui apporte la structure et la cohérence au récit. A elles trois et avec l’aide d’Etienne Kurylo, le mari d’Amélie, elles balisent les lieux pertinents pour la série et retravaillent la voix-off afin de la rendre moins documentaire et plus incarnée pour le grand public. Ensemble, ils construisent des ponts entre l’époque racontée et l’époque actuelle, en portant un regard neuf sur les œuvres. Ce travail de longue haleine, a demandé sept ans à Amélie, entre le développement de la bible graphique, le storyboard et la fabrication et a nécessité plus de deux milles décors et une quinzaine de personnages. La série est diffusée fin 2024 sur Arte.

S’estimant chanceuse de sa relation privilégiée avec ses productrices, Amélie apprécie d’avoir une vraie relation de collaboration sur des projets complexes, se sentant libre de proposer des idées peu conventionnelles. Elle aime retrouver, au fil de ses projets, ses médiums de prédilection comme la peinture et la voix-off. Cela lui permet de créer des effets de surprise et de faire tomber les barrières entre les différents registres pour s’amuser avec le spectateur. Ayant à cœur de transmettre au public chaque œuvre qu’elle réalise, elle apprécie de pouvoir continuer d’apprendre tout en apprenant aux autres.

Amélie Harrault est actuellement en train de développer un nouveau projet qu’on sait déjà singulier. 

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Apprendre sur le tas, avoir différentes casquettes (parfois en même temps) et s’adapter au contexte, c’est ce qui caractérise Noémi Gruner. Depuis le début de sa carrière, elle a enchaîné les collaborations sur des projets et des formats tous très différents. Sur son premier court-métrage La Costa Dorada, elle écrit, se documente, réalise, illustre et dirige des équipes. Puis, au service des autres, elle met le costume de décoratrice et apprend à reproduire différents styles artistiques. Toujours sur des films mettant en avant les jeunes, mais aussi l’empathie.

L’éducation artistique c’est l’école certes, mais c’est aussi le cadre familial. Issue d’une famille multiculturelle et cultivée, Noémi bénéficie d’un façonnage complémentaire grâce à ses parents qui lui montrent des films d’auteurs cultes. Elle voit les Chaplin, les Tati, mais surtout Le Roi et l’Oiseau de Paul Grimault. Et c’est en le re-visionnant adulte qu’elle constate à quel point ce film l’a influencée, par son côté poétique mais aussi décalé. Le film adopte également un ton engagé avec des messages sociétaux. Ce qui ressort aujourd’hui dans son travail a fortement été influencé par cet héritage. Elle prend conscience de la force d’un auteur de pouvoir imposer sa patte graphique et ses sujets, malgré la concurrence avec les films d’animation mainstream. Cela attise encore plus sa curiosité et son admiration.

Après deux films d’étude (Le Mur et Tatie Tango), Noémi envoie le scénario de son court-métrage, La Costa Dorada, à plusieurs appels à projets. L’un d’eux mord à l’hameçon et lors du festival d’Aubagne elle rencontre la productrice Delphine Schmit qui va professionnaliser son film. Grâce à elle, elle apprend sur le tas à écrire un scénario sans faille, parfaitement ficelé, pour qu’il soit la base solide et équilibrée du projet. Au fur et à mesure, elle apprend les rudiments du métier de scénariste et enrichit son film. Et lorsqu’il faut passer à la réalisation, Noémi prend de l’avance. Pensant faire le film toute seule, elle dessine d’emblée tous les décors. Jusqu’au moment où de l’argent vient tomber dans l’escarcelle de La Costa Dorada, permettant de recruter une équipe d’animation. Noémi apprend donc un autre métier, celui de cheffe d’équipe, et doit parvenir à transmettre sa vision précise à ses équipiers et équipières. Heureusement la collaboration se passe très bien et le film avance convenablement. Cette nouvelle expérience la conforte dans son souhait de toujours travailler en équipe tant sa motivation est décuplée quand elle est entourée d’autres personnes. Comme elle le dit elle-même, « c’est impossible de faire un film tout seul. »

La Costa Dorada se déroule en Espagne, pendant le mouvement des Indignés à Madrid (mouvement de protestation populaire qui a eu lieu sur la Puerta Del Sol le 15 Mai 2011). Le film raconte l’histoire d’Erika, une jeune chanteuse qui doit partir se produire pour des touristes sur la Costa Dorada alors que dans la capitale s’organise l’une des plus importantes manifestations du mouvement des Indignés. On y voit des personnages jeunes et politisés essayer de s’en sortir et de se battre pour un monde plus juste. Pour Noémi il était plus logique et naturel pour un premier film de choisir ce type de personnages. « Si je dois écrire des histoires, les personnages sont proches de moi. Si je dois parler de thématiques de l’intime ou des sentiments que je peux avoir à certains moments, forcément les personnages vont avoir à peu près mon âge. » D’où l’intérêt de donner à Erika le même âge qu’elle au moment du film. Les thématiques de l’intime et sociales, qui vont revenir dans toute sa filmographie, proviennent aussi d’elle-même.

Les causes du mouvement des Indignés la marquent, et l’idée de La Costa Dorada lui vient d’un reportage photo de son amie Clémentine Schneidermann, où l’on voit des images de villes vides. « Je voulais vraiment faire une histoire là dedans. J’ai rapidement eu l’idée de cette chanteuse qui va se produire malgré la désertion des lieux. Et en étant déjà moi même assez renseignée sur la politique, cela me semblait nécessaire de contextualiser ces villes vides et de les inscrire avec ce mouvement car l’écho était évident. »

À cette époque, l’entourage de Noémi est blasé par la politique. Cette désinvolture la marque et la choque, bien qu’elle en comprenne les raisons. Elle veut réagir et décide que son film doit donner envie de se bouger, de se renseigner et pourquoi pas, de manifester. Le choix de l’Espagne, lieu où le mouvement des Indignés fut le plus fort, est là aussi tout naturel. Noémi a le recul pour analyser et observer un élan hors des frontières françaises. En parallèle de l’écriture du scénario, elle fait des recherches sur le contexte du pays et sur le mouvement. Et le hasard lui-même vient l’encourager dans cette voie. Lorsqu’elle contacte Nuria Lopez Bernal, qui a écrit et interprété la chanson qu’elle veut dans son film, Noémi se rend compte que Nuria est déjà l’incarnation du personnage d’Erika. De plus Nuria apporte un cadre et des précisions pour que le scénario soit pile dans son sujet. Un sujet de plus en plus nourri par la curiosité de sa réalisatrice.

Noémi veut comprendre les autres car elle est à la recherche de l’empathie. C’est ce sentiment précis qui est au cœur de son prochain film Les Astres Immobiles, l’histoire d’une petite fille chinoise qui doit à la fois réaliser un exposé sur l’espace, et faire l’interprète pour ses parents qui ne parlent pas français. Pour Noémi, il faut se mettre à la place des autres pour comprendre comment la vie se passe pour eux. « Dans l’histoire, on voit une famille qui n’est pas la même que la nôtre en tant que « franco français » et je trouve intéressant de proposer cela à un spectateur qui, comme moi, ne connaît pas la vie d’une famille étrangère en France. Ma famille a été « étrangère » à plusieurs moments, mais cela remonte à plusieurs générations, c’est encore difficile d’en parler, de creuser, malheureusement.» Noémi cherche à déconstruire le mythe de l’étranger qui ne veut pas s’intégrer, mais aussi à partager un autre discours que celui qu’on a tendance à entendre trop fort du côté de certaines personnes souvent énervées. Elle évoque également les représentations inégales des différentes catégories sociales dans les contenus. « Ça m’a toujours beaucoup choqué que dans les programmes que je regardais enfant, il n’y ait que des blancs, et beaucoup de garçons. Je n’avais jamais pensé petite que mes amis d’origines différentes n’étaient pas du tout représentés dans les dessins animés. En France on est très riches il y a plein d’origines, et ces petits là ne se voient pas à l’écran, ne sont pas valorisés. »

La thématique de l’immigration l’intéresse particulièrement et on la retrouve dans sa filmographie. Son appétence vis-à-vis des autres l’aide aussi à se construire elle-même. « Je pense que ce sont des sujets qui m’obsèdent. C’est une histoire de recherche d’identité, on creuse dans son héritage familial. C’est un peu choquant de savoir que ce qu’on voit en Histoire est arrivé à des gens de sa famille. Et on se retrouve tous dans ces thématiques d’intégrations car on a tous une part de notre famille qui est liée à ça. »

Ces thèmes sociaux sont solidement attachés au travail de Noémi. Elle va rejoindre en tant que décoratrice deux films qui évoquent la jeunesse et le besoin de migration pour sauver sa peau. Elle rejoint en tant que décoratrice les équipes des films Josep (2020) de Aurel et de La Traversée (2021) de Florence Miailhe. Contrairement au cinéma traditionnel où un meuble est un vrai meuble, ce même meuble sera dessiné sous tous les angles dans un film d’animation. Le travail de décoratrice consiste en effet à produire un dessin fixe, à plusieurs niveaux. Ce dessin fixe sera ensuite le décor en fond derrière lequel le personnage évoluera. Sur Josep, Noémi était chargée des décors des scènes de flash-back, soit une grande partie du film. « Les décors étaient scindés en deux parties. Deux personnes faisaient le lay-out trait : le dessin comme un croquis avec uniquement des traits. Et moi derrière ça je faisais les ambiances avec la lumière, la couleur et un peu du coloriage. Et j’ai adoré, c’était très confortable pour moi, je n’avais pas à m’occuper de la perspective. Je devais faire une image sensible, forte et cohérente. » Mais cela ne l’empêche pas d’expérimenter en faisant des recherches de matières d’encre afin de garder un aspect croquis aux dessins, comme pour rappeler les compositions de Josep Bartoli.

La Traversée lui propose un défi plus corsé. Le film étant entièrement fait en peinture à l’huile, la décoration se fait directement sur le support. Après avoir dû transmettre à ses animateurs sur La Costa Dorada, la voilà désormais de l’autre côté. Il fallait peindre comme Florence Miaihle et donc apprendre sa méthode. La réalisatrice échange énormément avec ses animatrices qui n’hésitent pas de leur côté à proposer des choses. Installée dans un grand atelier avec uniquement des femmes,  Noémi sort comblée et enrichie de cette expérience et de ses échanges avec ses collègues, malgré la difficulté de cette tâche précise de décoratrice. « Je trouve que c’est un métier pas évident. On doit toujours s’adapter au style de quelqu’un d’autre. Pour ça il faut avoir l’esprit très ouvert et malléable artistiquement. » Noémi évoque les détails techniques, notamment la perspective qui se maîtrise de plus en plus avec de la pratique. Mais aussi la cohérence du décor, ce qu’on coutume d’appeler les faux-raccords. « Comme on est plusieurs, on ne peut pas prendre de liberté et dessiner une même chose de façon différente sinon on ne va rien comprendre. Il faut être très attentif à ce que les autres font. Et la grosse difficulté pour moi c’est avoir une bonne gestion de l’espace. En tant que décoratrice, on est à la place de la caméra et on doit refaire une même pièce sous tous les angles. On doit avoir une vision en 3D mentale du lieu et ensuite le retranscrire. C’est au centimètre près. » Et quand le travail est bien fait, le spectateur, souvent, ne le remarque pas.

Traditionnellement, le métier de décoratrice est souvent donné à des femmes dans le secteur du cinéma d’animation. Selon Noémi, beaucoup de clichés d’un autre temps subsistent. « Par exemple, si on est sur un film très technique avec des perspectives très compliquées, ça va plus être des hommes, alors que tout le monde sait le faire. Et si c’est un peu plus sensible, on choisira des femmes. Typiquement La Traversée se voulait plus sensible et plus risqué. »

A l’heure actuelle, Noémi a revissé sa casquette de réalisatrice et cheffe de projet sur sa tête. Son prochain film Les Astres Immobiles, un unitaire pour la télévision co-réalisé avec Séléna Picque et toujours produit par Delphine Schmit, occupe toutes ses journées. En tant que cheffe d’équipe et cheffe d’animation, elle dirige une équipe de 8 animatrices. Son quotidien lui demande, encore une fois, de jongler avec de nombreuses tâches : répondre aux questions des animatrices, traiter ses mails, ordonner les plannings, écrire les briefings de chacun des 545 plans du film tout en expliquant ce qui s’y passe pour que l’animatrice sache quoi faire jouer au personnage, mais aussi faire du montage, animer des ombres, gérer la musique et enregistrer les voix. Heureusement elle peut compter sur sa coréalisatrice. « Sur Les Astres Immobiles j’ai demandé à Séléna Picque de créer la charte graphique et toute la direction artistique car je trouvais que mon style n’allait pas coller avec ce que j’imaginais. Et en plus, j’adorais son travail depuis longtemps, c’était donc l’occasion de travailler ensemble ».

Et à nouveau Noémi apprend sur le tas. En tant que directrice du projet, ses journées se rapprochent du métier de chargée de production. Toujours épaulée par sa productrice, elle découvre comment préparer le travail pour son équipe, agencer les plannings, écrire les briefings des plans, mais aussi quelques tâches de bureautique comme envoyer et répondre aux mails. Elle déplore que ces méthodes professionnelles appliquées dans l’industrie ne soient pas plus enseignées à l’école. « Quand on sort de l‘école, on a éventuellement fait un film, mais on se rend pas du tout compte comment les choses sont organisées professionnellement, comment chaque tâche est organisée pour chaque équipe, comment gérer le budget, comment toute cette machine fonctionne. On nous l’apprend pas du tout et c’est dommage. » Il faut donc observer, que ce soit les productions bien organisées où le travail est agréable, mais aussi celles plus bâclées où l’on se dit « tiens, je n’aurais pas fait comme ça. » Sur ses propres projets où elle est cheffe, Noémi s’éduque à faire confiance et à lâcher du lest. « Quand je suis réalisatrice et que je dois dicter des choses à faire, je dois faire confiance aux autres qui ne vont pas forcément faire pile poil ce que je veux, mais ce sera aussi bien. » Car un film d’animation n’est pas que le fruit du travail du réalisateur ou de la réalisatrice, il est celui de toute une équipe, de multiples métiers tous aussi importants les uns que les autres.

Noémi Gruner est une réalisatrice et décoratrice de films et séries d’animation. Elle est diplômée de l’EMCA. Elle a collaboré sur Ariol (saison 2), Josep, La Traversée, La Costa Dorada. Elle travaille actuellement sur Les Astres Immobiles et Tiandu Cheng. Les Astres Immobiles est un unitaire de 26 minutes pour la télévision. A l’heure de l’interview, Noémi indique que le film est à environ 25 % de sa production. L’animation doit être terminée en mars. Quand elle évoque le secteur du cinéma d’animation, Noémi a toujours le sourire aux lèvres. « Je me sens très bien dans ce milieu. J’ai eu la chance de n’avoir aucune mauvaise expérience, ce qui n’est pas toujours le cas. J’y suis bien. Je ne suis pas déçue. » Travaillant sur des projets de plus en plus longs, on souhaite à Noémi un jour de réaliser son premier long métrage.

Un potrait signé Axel Blandel

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À travers cette compilation de courts portraits, drôles et percutants, partez à la rencontre de 9 réalisatrices dont le court-métrage était sélectionné en compétition à Annecy 2021. Découvrez leurs univers visuels, leurs inspirations et un petit morceau de leur quotidien de femmes dans l’animation. 

Visionnez les 9 portraits dans la continuité grâce à la playlist ci-dessous :

Ou retrouvez chacun des 9 épisodes ci-dessous : 

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Installée à Los Angeles depuis plus de 7 ans, Céline Tricart est réalisatrice et experte de renommée mondiale en 3D stéréoscopique et en réalité virtuelle. C’est une professionnelle multi-casquette très occupée. Un coup à Venise pour recevoir un lion d’or, un coup en Amazonie pour un tournage au cœur de la forêt, Céline est une globetrotteuse au planning bien chargé. À tel point que nous avons eu du mal à accorder nos agendas pour programmer un Skype transatlantique. Mais l’attente en valait la peine, j’ai découvert une femme brillante et passionnée au parcours impressionnant et cette interview enthousiasmante a résonné en moi pendant plusieurs jours.

De Louis Lumière à Michael Bay

Sa carrière démarre par des études dans le cinéma traditionnel à l’ENS Louis Lumière à Paris. Passionnée par les nouvelles technologies, le moteur de Céline est d’aller défricher les possibilités narratives offertes par celles-ci. Ainsi, la 3D stéréoscopique lui offre un terrain de jeu encore peu exploré à sa sortie de l’école en 2008. Elle se spécialise dans ce domaine juste avant l’explosion de cette tendance qui a eu lieu avec la sortie du film Avatar. Son travail sur le premier long-métrage français en 3D relief Derrière les murs en fait la première femme stéréographe de long-métrage au monde. Je découvre au passage le métier de stéréographe, un équivalent de chef opérateur pour la 3D relief. C’est l’art d’utiliser la distance, le volume et la profondeur d’une scène en tant que paramètres narratifs. Son expertise dans ce domaine l’amène à écrire un livre sur le sujet et à intervenir dans son école alors qu’elle est fraîchement diplômée.

Comme le marché en France est peu demandeur de cette technologie, elle travaille beaucoup pour le marché international. En parallèle, elle a du mal à monter ses projets personnels de réalisation en France et sortir son court-métrage fut un chemin long et laborieux. Après une année plutôt déprimante où elle passe plus de temps au chômage qu’à travailler, elle décide de tenter sa chance à Los Angeles avec un visa de travail en poche. Et là c’est le rêve américain qui démarre ! Un mois après son arrivée, elle est engagée dans l’équipe caméra 3D sur le tournage de Transformers 4, un film hollywoodien réalisé par Michael Bay avec un budget colossal de plus de 300 millions de dollars. Le grand écart est incroyable. C’est un apprentissage sur le tas, aussi bien au niveau technique qu’au niveau connaissance du marché hollywoodien.

« Ici, il y a un esprit d’entrepreneuriat. C’est dans l’ADN américain de donner sa chance à chacun. »

Après cette expérience, elle réalise que beaucoup plus d’opportunités  s’offrent à elle ici.  Elle décide donc de rester sur la côte californienne tout en créant des ponts avec la France.

L’animation : une nouvelle corde à son arc

Depuis quelques années son nouveau terrain de jeu technologique est la réalité virtuelle. Un nouveau langage et des nouvelles possibilités narratives qu’elle met en application dans plusieurs films, dont The Key, sa toute première réalisation en animation avec laquelle  elle remporte le prix Tribeca et un lion d’or à Venise. C’est un projet engagé sur la cause des réfugiés, un film qu’elle a voulu aborder avec une approche différente de ce qui a déjà été fait en matière de documentaire, en utilisant le storytelling pour créer de l’empathie.

La réalité virtuelle est un média qui accentue l’empathie. C’est d’une efficacité redoutable à tel point que, les spectateurs ressortent souvent de l’expérience The Key en larmes. The Key est une fiction animée intrigante qui met en scène Anna, un personnage au passé mystérieux. Elle fait des rêves récurrents un peu bizarres dans lesquels une clé est toujours présente. Le spectateur explore ces rêves pour découvrir le mystère autour de cette clé. À la fin de l’expérience, tous les souvenirs sont déverrouillés et le spectateur comprend qui est Anna, d’où elle vient et ce qu’est cette clé. Pour Céline, l’animation 3D lui apparaît comme étant l’outil adapté à cette histoire  métaphorique qu’elle souhaite raconter. Le fait de n’avoir aucune connaissance dans ce domaine ne l’a pas arrêtée, bien au contraire. Ce projet lui a servi de laboratoire, les erreurs faisant partie du parcours.

« Avec ma co-productrice, on s’est filmées l’une et l’autre en train de jouer les scènes pour donner ça comme référence aux animateurs… C’était une erreur, la prochaine fois j’embaucherai des vrais acteurs ! »

L’animation est un univers qu’elle trouve fascinant. Le champ créatif est infini, tout est possible, mais le moindre plan demande beaucoup plus de travail qu’en prise de vue réelle. De plus, elle doit composer avec des contraintes techniques accentuées par l’utilisation d’un moteur de jeu. Pour qu’il puisse tourner correctement, la 3D doit être simplifiée au maximum pour avoir le moins de polygones possible.

Stimulée par le workflow de l’animation, la créativité et le côté artistique, elle réfléchit à faire un nouveau projet en animation. Peut-être un jeu vidéo indépendant, un nouveau média qu’elle souhaite explorer.

« Je trouve que depuis 5-6 ans on a des jeux vidéos indépendants extraordinaires qui véhiculent plein de sens et d’émotions ».

Un style engagé

En 2017, Céline est contactée par une productrice à la recherche d’une cheffe opératrice pour travailler sur un projet de documentaire en réalité virtuelle sur les Yazidis. Des femmes, anciennes esclaves sexuelles de Daesh, qui ont intégré l’armée du Kurdistan pour combattre Daesh.

« C’était une histoire forte qui s’alignait tellement avec mes valeurs et mon réveil féministe que pour moi c’était une évidence : il fallait que je sois la personne qui raconte cette histoire. »

Elle co-réalise ce documentaire qui est une expérience de terrain bouleversante où elle voit en vrai les camps de réfugiés en Irak qu’elle n’avait jusqu’ici vu qu’à la télé. Ce tournage lui donne envie d’embrasser ce genre de causes.

À cette période, Céline est en recherche d’une identité pour sa société de production naissante et spécialisée dans les nouvelles technologies, Lucid Dreams Productions. Ses projets étant variés, dans les techniques comme les formats, elle ressent le besoin de lier toutes ses activités dans une identité claire. Une identité basée sur sa manière de raconter les histoires qui l’intéressent, des histoires poétiques et métaphoriques avec un fond et un message très fort en lien avec le monde réel. Elle en fait sa marque de fabrique et met en pratique son engagement en veillant à constituer des équipes qui incluent des femmes, des minorités et des personnes LGBT.

Jusqu’à récemment elle n’avait jamais fait attention à la condition des femmes dans le milieu du cinéma. Elle pensait qu’en travaillant bien, homme ou femme, ça ne fait pas de différence. À son arrivée aux US, elle s’inscrit à l’association Women In Film et de fil en aiguille elle prend conscience qu’il y a malheureusement une différence. Quand elle œuvrait dans les équipes techniques du cinéma traditionnel en France, elle écartait tout signe de féminité sans s’en rendre compte. Fringues informes, pas de maquillage, cheveux attachés, personnalité très dure. Comme une manière inconsciente de compenser sa condition féminine. Rétrospectivement, elle pense que c’était une manière pour elle de se fondre dans la masse parce qu’il y a très peu de femmes dans les équipes techniques. Une problématique de représentativité qui peine à évoluer en France alors qu’en Californie, cette problématique a été en partie résolue, surtout dans le domaine de la réalité virtuelle où les femmes sont très présentes et les minorités représentées.

« La réalité virtuelle est un langage où le point de vue est important. Il doit refléter la diversité du monde ».

Avec Céline, nous avons une grande discussion sur le manque de femmes réalisatrices pour les films à grand budget ou encore dans les panels d’experts en France lors des conférences. La raison principale et qui revient souvent est qu’il n’y a soi-disant pas assez de femmes qualifiées et qu’on ne sait pas où les trouver.

Pour désamorcer cet argument, des associations créent des annuaires de femmes qualifiées mettant en avant les femmes du secteur. Céline me cite celui de Women In Film concernant les réalisatrices, et moi je lui parle du  Female Animation Writers un annuaire international de scénaristes femme dans l’animation (annuaire à l’initiative d’Evgenia Golubeva, en cours de création).

Céline pointe aussi le fait qu’on n’est pas très douées pour s’entraider. Les hommes ont le « bro attitude », un genre de communication silencieuse et automatique, un esprit d’entraide que les femmes gagneraient à se réapproprier. Elle remarque d’ailleurs que dans sa carrière tous ses mentors ont été des hommes. Et me cite l’exemple du studio Paramount Pictures, réputé pour être celui qui embauche le moins de femmes réalisatrices alors que c’est celui qui a le plus de femmes à des positions de pouvoir. C’est une génération de femmes pour laquelle l’accès à des postes à responsabilité a été tellement dur pour elles que les autres femmes sont vues comme des menaces.

« On a un gros boulot à faire sur nous pour qu’on s’entraide entre nous. C’est en se faisant la courte-échelle les unes avec les autres qu’on arrivera à changer les choses. »

Un point de vue avec lequel je suis complètement d’accord et qui m’a poussé à rejoindre l’association Les Femmes s’Animent.

Son conseil

À fond pour le partage d’expériences et d’expertise, Céline a écrit un deuxième manuel qui aborde cette fois-ci la réalité virtuelle. Elle intervient aussi régulièrement dans les formations et des masterclass. La transmission est importante pour elle. Elle ne comprend pas cette tradition de garder jalousement ses connaissances techniques.

« Je suis plus pour l’avancée du medium que pour trouver mon prochain job. »

Son objectif est de livrer aux autres les connaissances qui vont leur faire gagner du temps. Faire en sorte que la prochaine génération de storytellers soit la mieux formée possible pour que le medium réalité virtuelle soit un succès pour tout le monde.

Avant de la quitter, je lui demande un conseil à partager avec nos lectrices et lecteurs. Voici le conseil qu’elle aurait aimé recevoir à l’école et qui lui aurait fait gagner du temps : avoir l’esprit ouvert. Ne pas s’enfermer dans sa spécialité et faire l’effort d’aller voir comment fonctionne l’industrie plutôt que d’attendre qu’on nous offre ce qu’on veut sur un plateau. C’est ce qu’elle a fait en devenant productrice et en montant sa société.

Elle un exemple où cette stratégie pro-active a fonctionné. Lors des conférences sur la réalité virtuelle, elle assistait avec beaucoup de frustration aux tables rondes constituées uniquement d’hommes blancs et qui, en plus, en savaient moins qu’elle sur le sujet. Tout en se demandant « Mais pourquoi ils ne m’invitent pas !? »

« J’en savais plus sur la réalité virtuelle que les gens qui étaient assis sur scène. J’avais l’impression de ne rien apprendre. Et je me demandais : mais pourquoi ils ne m’invitent pas !? »

Alors, au lieu de râler sur ces panels, elle a décidé de contacter les organisateurs des festivals pour se proposer en tant que modératrice en arrivant avec le sujet et le panel d’expert.e.s. Ça a fonctionné et elle n’a jamais eu de refus à ce jour. Elle a créé les panels qu’elle aurait adoré voir.

C’est tout l’art de renverser la situation pour pouvoir avancer, un art que maîtrise parfaitement Céline et que je compte mettre en application. Galvanisée par cet entretien, je quitte cette session Skype avec le sourire aux lèvres et la tête pleine d’étoiles, heureuse d’avoir fait la connaissance d’une grande poétesse de l’image.

Propos recueillis par Mélanie Furne-Corbizet, auteur-réalisatrice.

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