À travers cette compilation de courts portraits, drôles et percutants, partez à la rencontre de 9 réalisatrices dont le court-métrage était sélectionné en compétition à Annecy 2021. Découvrez leurs univers visuels, leurs inspirations et un petit morceau de leur quotidien de femmes dans l’animation. 

Visionnez les 9 portraits dans la continuité grâce à la playlist ci-dessous :

Ou retrouvez chacun des 9 épisodes ci-dessous : 

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Découvrez le programme de LFA dans le détail ci-dessous : 

5èmes Rencontres Internationales des Femmes dans l’Animation
Women in Animation World Summit

Les autres conférences de LFA…

Porté par Unifrance, ce panel international parlera de l’intérêt grandissant que portent les festivals de films en Afrique pour les films d’animation et des opportunités de rencontres professionnelles qui se construisent autour de ces moments. Les intervenants échangeront sur leurs différentes stratégies sur ce sujet et débattront des bénéfices que cette exposition peut générer pour les publics et professionnels locaux comme internationaux.

Les intervenants : Mohamed Beyoud, Moly Kane, Xavier Simonin, Laza, Abel Kouamé, Alex Moussa Sawadogo, Jérôme Sofo Simo. Conférence modérée par Stéphanie Launay (Les Femmes s’Animent).

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Avec cette interview pour Les Femmes s’Animent, nous mettons en lumière Florencia Di Concilio. Elle est compositrice et a signé la bande son d’énormément de films, courts-métrages, longs métrages et documentaires ; elle a travaillé en France, aux États-Unis ou encore en Angleterre et elle a plein de choses à nous dire ! Dans cette longue discussion, elle va nous parler un peu de son parcours, de son goût pour la musique, bien sûr, et sa vision sur la place des compositrices dans le monde du cinéma. 

Un portrait 100% audio, réalisé et monté par Cheyenne Canaud-Wallays. 

Sommaire 

00:45 – Peux-tu te présenter pour ceux qui ne te connaîtraient pas ?
01:00 – La musique a-t-elle toujours été une évidence ? Quand as-tu décidé d’en faire ton métier ? 
02:39 – Peux-tu nous parler de ton parcours : les études, tes voyages ? 
08:30 – Il y a une grande polyvalence dans ton travail ! Arriverais-tu à décrire ta musique ? 
10:06 – As-tu une manière particulière de composer ? Des rituels ? Une méthode ?
11:38 – Quand tu travailles avec le.la réalisateur.trice : est-ce qu’on te donne des références ? une carte blanche ? 
13:10 – Calamity, c’est ton premier film d’animation en tant que compositrice. Peux-tu nous parler de cette expérience ? 
15:50 – Tu as beaucoup voyagé pour le travail. Est-ce que tu as senti une différence dans les façons de travailler ? 
17:46 – La composition musicale pour les films est encore un métier très masculin. Est-ce que tu vois ce milieu s’ouvrir aux femmes ? Comment agir pour rendre ce métier plus paritaire ?    
29:03 – Afin d’être plus visibles, les compositrices se regroupent : il y la bible du Collectif 50/50, le collectif Troisième Autrice, dont tu fais partie… Connais-tu d’autres plateformes de mise en avant destinées aux compositrices ? 
30:09 – As-tu des conseils pour les jeunes femmes qui souhaitent devenir compositrices ? 
31:13 – Quand tu es devenue maman, as-tu senti une différence de considération dans ton travail ? 
35:47 – Un mot de la fin ? 

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Laurence Petit rejoint Carole Scotta dès la création de la société Haut et Court en 1992. La société produit alors du court-métrage, a des envies de distribution et déjà d’exploitation. À cette époque, Carole obtient la bourse de la fondation Hachette et se lance dans la distribution de films indépendants américains : Les Inédits d’Amérique, programme de 6 films découverts avec la complicité de Marianne Dissard sur la côte Ouest américaine. Laurence s’occupe de la distribution de ces films. C’était son premier job et depuis, elle ne l’a plus quitté. Sa carrière est une épopée collective qui s’est développée au fil des décennies et qui continue à prospérer en cultivant un esprit d’ouverture cher à ses yeux. Rencontre exaltante avec une passeuse d’histoires, curieuse et instinctive, animée par la passion du cinéma.

« Je me sens extrêmement privilégiée d’avoir pu choisir les gens avec qui je travaille. »

Étudiante, Laurence a mené de front deux cursus qu’on pourrait croire opposés. Côté pile, des études en philosophie de l’art dans lesquelles elle fait du cinéma expérimental et réalise des films en Super 8. Côté face, des études d’économie internationale, avec comme spécialité les pays en voie de développement. Deux facettes artistique et business qui seront essentielles dans son futur job, mais ça elle ne le sait pas encore à ce moment-là.

Déjà dans le partage et l’émulsion créative, Laurence organise en 1991 « Rencontres autour du court-métrage », un événement qui réunit réalisateur.rice.s, musicien.ne.s et comédien.ne.s. C’est à cette occasion qu’elle rencontre Carole Scotta qui intervient en tant que réalisatrice. Elles sont très vite réunies par l’envie commune de mélanger les artistes, de les faire cohabiter, dialoguer, les stimuler et les faire créer ensemble. Laurence rejoint alors Carole dès qu’elle monte Haut et Court. L’aventure démarre à quatre personnes qui grandissent ensemble professionnellement dans un esprit d’ouverture et de grande curiosité.

Laurence s’épanouit dans son rôle de responsable de la distribution, un poste où ses deux pôles de compétences font complètement sens. Au fur et à mesure des années, l’activité de la société se diversifie. Production et co-production de long-métrages, séries, films documentaires, films d’animation, ainsi que l’exploitation de salles de cinéma à Paris et en province.

« On a souhaité avoir une vue panoramique du marché, être présent là où des espaces de création nous invitaient à être libres et audacieux. À chaque fois qu’il y a eu des territoires à défricher, on tente d’y pénétrer en invitant des auteurs à réfléchir ensemble à de nouvelles écritures. »

Avec à chaque fois le souci de la diversité et de la parité pour être dans une juste représentation de la société. Ainsi chaque année, Laurence, Carole et Laure Caillol, responsable des acquisitions, distribuent 9 à 10 films dont certains sont coproduits par la société. Parmi ces films, on retrouve quelques films d’animation, une sélection issue d’un choix minutieux en production et/ou en distribution.

Kérity, la maison des contes – 2009

« L’animation célèbre le collectif, agrégeant la compétence des talents et c’est à la fois très émouvant et très stimulant. »

C’est en 1995 que Laurence distribue le premier film d’animation pour Haut et Court : Les Aventures Secrètes de Tom Pouce de Dave Borthwick. Un film audacieux qui mêle plusieurs techniques : stop motion, 3D, rotoscopie. À cette occasion, elle découvre avec émerveillement les studios Aardman et le monde de l’animation.

En 2009, après le succès du film Kérity, la maison des contes qui s’approche des 900 000 entrées en salle, la société a la volonté de sortir un film d’animation tous les deux ans en distribution et en coproduction. Depuis, l’animation fait partie de l’ADN de Haut et Court et c’est devenu l’espace privilégié de Laurence. Kérity, la maison des contes de Dominique Monféry, Le Chant de la Mer de Tomm Moore, Gus petit oiseau, grand voyage de Christian de Vita ; Pachamama de Juan Antin pour les longs métrages cinéma et dernièrement, les séries Silex and the city et 50 nuances de Grecs de Jul pour Arte. Fidèles collaborateurs de Tomm Moore, Haut et Court prépare actuellement la sortie en salles de son dernier film, Le Peuple Loup. 

« Je crois que l’animation m’a permis de réaffirmer que le lien avec le public était crucial, que notre cœur de métier, c’est la salle de cinéma et que l’éducation à l’image est indispensable. Jour après jour, affronter l’âpreté du marché et sa féroce concurrence, devoir résister en toute indépendance demande une telle énergie, une exigence de tous les instants. Il y a 20 ans, lorsque nous avons commencé à distribuer des films d’animation, cela ouvrait d’autres espaces de travail, de réflexion comme le lien à l’enfance, à l’éveil du premier récit ou de la première émotion au cinéma et cet accompagnement impliquait un engagement passionnant. »

Laurence constate que l’animation a un tel pouvoir, qu’il amène une responsabilité sur la représentation et les récits puisque c’est possiblement la première image qu’un enfant va voir au cinéma. Ainsi, elle est présente dès l’écriture d’un film d’animation et accompagne au plus près sa fabrication. C’est une relation forte qui se crée avec les producteurs, les réalisateurs, les auteurs, les animateurs, un milieu qu’elle apprécie particulièrement pour son rapport à l’artisanat collectif.

Le Chant de la Mer – 2014 

Laurence semble habitée par cet esprit de troupe, à tel point qu’elle dit souvent « on » à la place de « je » quand elle parle de son travail à Haut et Court. Elle se sent privilégiée. Le fait d’évoluer dans cette société qui pendant longtemps a été majoritairement féminine, l’a fait grandir professionnellement dans un esprit de sororité.

Elle est admirative de l’audace quotidienne dont fait preuve Carole Scotta, de l’inventivité stimulante de Caroline Benjo et de l’énergie créative de Barbara Letellier productrice, entre autres, des séries d’animation Silex and the city et 50 nuances de Grecs et de l’engagement de Julie Billy, co-fondatrice du collectif 50/50 pour la parité et la diversité dans le cinéma.

Laurence rejoint Les Femmes s’Animent suite à sa rencontre avec Corinne Kouper qui lui parle du collectif. Depuis, Laurence siège au Board of Advisors de l’association et lui apporte son aide précieuse et son expertise. Cette année, elle fait également du mentorat pour l’association. Elle accompagne et guide une personne qui débute dans le milieu de l’animation. Laurence a l’habitude de ce genre d’accompagnement. Dans son métier, elle côtoie énormément de producteur.rice.s et de réalisateur.rice.s qui produisent pour la première fois ou qui réalisent pour la première fois. Et accompagner un premier long en salle, ça ressemble à du mentorat dans les discussions et les échanges.

« Il faut qu’on continue à avoir les moyens de rêver. »

Depuis l’adolescence, Laurence est mue par la curiosité, l’instinct et l’audace. Je trouve que son parcours est impressionnant et qu’elle fait preuve d’une grande pugnacité face à l’âpreté d’un secteur compliqué.

« Année après année, on doit se confronter à un marché de plus en plus dur. Qui parfois peut censurer l’expression la plus libre. Mais on arrive toujours à trouver des chemins détournés grâce au public, notre principal allié. Il fait preuve d’exigence et se familiarise parfois à des récits hautement complexes. On tente de créer sans cesse un dialogue avec lui, c’est notre moteur et notre raison de faire et de fabriquer. »

Elle admire cette forme de résistance chez de nombreux artistes, la manière dont ils affrontent la censure, et continuent de produire et réaliser des films et trouvent un chemin de traverse pour continuer de créer.

Le Peuple Loup – 2020      

Laurence a des craintes pour l’avenir, le maintien du statut d’indépendance, l’écosystème d’un cinéma mondial mis à mal, et espère un soutien de la part des pouvoirs politiques français et européens pour sauver, protéger et permettre à la création d’être et de continuer à s’exprimer librement.

« Il faut un système qui protège la création, l’éducation, la culture, les auteurs, un système qui soit garant de la démocratie et de la diversité et qui propose un cadre équitable à long terme. Il faut que la création continue d’être engagée, qu’elle puisse représenter la société dans laquelle nous vivons, qu’elle puisse encore défricher des territoires inconnus et qu’elle ait la liberté de pouvoir le faire. Il ne faut cesser d’être combatif, résister à chaque instant  et pour cela il faut se battre ensemble en France et en Europe. »

Cette rencontre me laisse dans un état d’émerveillement. Laurence Petit est une passionnée de cinéma et d’artistes ; elle élève le « faire » collectif au rang d’Art avec un grand A. En l’écoutant, j’ai le sentiment que le cinéma est comme quelque chose de précieux à préserver. Où la salle serait un écrin et le film un bijou qui s’offre au monde. Je suis plus que persuadée que cette préservation passera par l’entraide et l’émulsion collective.

Propos recueillis par Mélanie Furne-Corbizet.

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À l’occasion de ce portrait audio, on part à la rencontre de Célia Sayaphoum. Elle est sound designer/monteuse son et a remporté en 2018 un Emile Award du « Best Sound Design » pour son travail sur la série Athleticus. Dans cette interview elle va nous parler de sa profession, de son parcours et de la place des femmes dans l’industrie du son.

Peux-tu nous parler un peu de toi ? Quel est ton travail dans la vie ?

Je m’appelle Célia Sayaphoum, j’ai 27 ans et je suis Sound designer/Monteuse son, passionnée d’animation, de musique, d’enregistrements, curieuse de découvrir plein de choses.
    

Le sound design, c’est quoi ? Ce métier, comment l’as-tu découvert ? Parce qu’on n’a pas forcément l’idée de devenir sound designeuse, ce n’est pas un métier qu’on connaît très très bien je pense. Comment tu l’as choisi ?

Le sound design, c’est créer une bande sonore pour des contenus visuels ou juste audio, à mi-chemin entre le bruitage et la musique, à l’aide d’outils numériques et d’enregistrements. Selon les projets, on doit suivre un cahier des charges très précis et parfois, on est libres de suivre nos propres idées et de proposer des choses plus personnelles. 

Au début, je voulais devenir œnologue ou interprète anglais/français. Rien à voir… ! Sinon, j’aimais jouer de la guitare mais c’était surtout un défouloir et je faisais tout le temps du bruit chez moi.

Puis, ma grande sœur m’a montré une vidéo d’un sound designer qui s’appelle Diego Stocco en me disant : « Regarde ça, si tu veux faire du bruit, lui c’est son métier! » Ça m’a toujours marqué et après j’ai continué mes recherches pour devenir sound designeuse et monteuse son. 
    

Peux-tu nous parler un peu de ton parcours et des différents projets sur lesquels tu as travaillé ?

J’ai obtenu un bac européen littéraire, puis j’ai orienté mes études supérieures vers le son dans une école d’audiovisuel, L’idem, à Perpignan pendant 3 ans. Puis j’ai fait des stages et j’ai pu aller à Paris rencontrer les studios Chez Jean qui m’ont présenté Emmanuel Rebaudengo et William Jame, deux sound designers qui m’ont formée et transmis leur passion et leur amour du son. Puis, nous avons intégré Badje Auditoriums, une sacrée équipe qui a accepté mes bruits et mon désordre dans le studio ! Aujourd’hui je suis monteuse son / sound designer à mon compte.

J’ai commencé à travailler sur des films publicitaires, des films institutionnels, du documentaire et des courts métrages. On m’a proposé de plus en plus de projets d’animation, de la série animée et j’ai vite remarqué que c’est ce que je préfère. Je viens de terminer sur la série Grosha et Mr. B, très cartoon, et en ce moment je travaille sur la 2^ème saison de Handico. 

Pourquoi as-tu choisi de faire du son pour l’animation ? En général, à quelle étape interviens-tu dans le processus de création d’un projet ?

L’animation est mon terrain de jeu favori. Je n’aime pas trop la demi-mesure ; j’aime les choses assumées et l’animation permet ce genre de partis-pris. J’adore entrer dans l’univers des réalisateurs que je rencontre. Je trouve qu’il y a un vrai échange entre l’image et le son. Je suis très admirative des illustrateurs, des animateurs, c’est une source d’inspiration infinie ! Et l’animation permet la création d’univers uniques, on peut vraiment renverser les codes et se détacher de tout ce qui est réaliste et se permettre de la fantaisie, être barré sans trop se prendre au sérieux, sans trop intellectualiser le tout.

J’interviens au stade des animatiques (esquisses de l’animation) pour donner une idée globale du rythme, puis une fois que l’animation est terminée ou quasiment terminée je peux entamer la phase de montage son. En général, si j’ai le temps et la possibilité, j’organise une session d’enregistrement pour faire quelques bruitages en amont.      

J’ai vu que tu as remporté un Emile Award du « Best Sound Design in a TV/Broadcast Production » en 2018 pour la série Athleticus. Bravo, quelle reconnaissance !

C’était super ! Une vraie surprise !          

J’étais au Laos avec ma grand-mère lorsque j’ai appris la nouvelle je lui ai dit : MAMIE je suis nommée à une cérémonie qui s’appelle les EMILE AWARDS à Lille ! Elle rigolait car elle se disait « Maaais oui, mais oui, ces intermittents du spectacle qui font leur cinéma ! » Mais en lui envoyant la photo elle était ravie, même si je pense qu’elle a toujours eu une idée abstraite de mon métier.

Comment as-tu trouvé les voix pour les animaux ? Peux-tu nous parler un peu de ton travail sur cette série, ton niveau de liberté, tes contraintes… Est-ce que ce prix t’a apporté de nouvelles opportunités ? Qu’est-ce que ça a déclenché chez toi ?

Athleticus, c’est ma première série. Remporter ce prix, symboliquement ça m’a donné beaucoup de courage et j’ai vraiment aimé travailler avec Nicolas Deveaux. On a beaucoup échangé pour élaborer la charte sonore de son bestiaire et ensuite, il m’a laissé une grande liberté.

Les voix pour les animaux, c’était au début assez simple et évident dans le sens où je faisais en fonction de l’image : voici un éléphant : « eh bien hop son d’éléphant ». Mais on a tout de suite abandonné l’approche trop documentaire, vu les situations dans lesquelles se trouvaient les animaux. Le bestiaire de Nicolas est très trèèès expressif. Donc il a fallu tricher. Donc imaginer et exagérer les émotions des animaux. Par exemple, il y a un macareux dans la saison 2, c’est ma perruche Yago que j’ai enregistré car je trouvais que son caractère de petit chef collait parfaitement… mais ce n’est pas du tout réaliste car on veut servir la narration et faire sourire, provoquer des réactions.

https://youtu.be/vaZYZzkzKFY

Comment perçois-tu le son dans la vie de tous les jours ?

Je me dis que chaque personne a sa bande sonore originale. Par exemple, ça commence par la sonnerie de son réveil, qu’on retarde, une ou deux fois – l’ébullition de l’eau dans la cafetière – on vérifie ses mails – on y répond – on prend le métro – on écoute sa chanson préférée…            

Le son au quotidien surtout dans Paris, je le trouve bruyant, donc il y a aussi des moments où on y prête plus ou moins attention, on est dans sa bulle et on rêvasse.    

Il m’arrive souvent de sonoriser à la bouche mes actions. Ce qui peut agacer mon entourage. Ou parfois des sons me font rire, heureusement que mon compagnon travaille dans le son également, il n’est pas dans le jugement. 😉

Comment trouves-tu l’inspiration ? Est-ce que tu as un environnement spécifique qui t’aide à créer ?

Ça dépend des projets. Parfois, ça me semble évident et j’arrive à être efficace. Mais lorsque je tourne en rond dans ma tête et ça peut durer très longtemps, ça me fait souvent angoisser et j’en viens à culpabiliser. Mais après une période de recherches et/ou de pause, le déclic arrive et là difficile de m’arrêter et c’est un moment très chouette. Cette période de recherche, elle est hyper importante et précieuse pour moi. Ça paraît évident mais j’ai besoin d’être au calme, parfois je fais des brouillons pour créer des matières qui m’inspirent, puis j’enregistre différents objets / instruments, c’est au cas par cas, puis j’écoute plein de choses, je vais rechercher des références quand j’ai vraiment le syndrome de la page blanche.

Pour toi, qu’est-ce qui est le plus enrichissant dans ce que tu fais ? Est-ce que tu as un « rêve d’enregistrement » ? (Sujet, contexte, collaboration particulière, autre…)

Ce que je préfère, c’est la phase de recherche, d’enregistrements, grâce à des instruments de musique, des logiciels, c’est passionnant ! J’adore prendre des sons comme on peut prendre des photos, ça sert de souvenirs que j’ai envie de partager ; c’est un moyen d’expression très fort. Je ne suis pas une grande gueule et je dois dire que le son me permet de m’émanciper en tant que personne et montrer ma vision des choses.

Si on parle de rêve d’enregistrement… ce serait grimper dans une machine à remonter dans le temps et enregistrer des dinosaures, ce serait génial ! Mais bon, c’est peut-être pas réalisable tout de suite ! Ou sinon ce serait de faire une collaboration avec ma grande sœur Léna Sayaphoum qui est illustratrice sur Vancouver, à vrai dire, ça c’est carrément possible ! En long terme et projet de vie, c’est de continuer de voyager et de mettre à jour un carnet de bord sonore. Ou de proposer des ateliers sonores pour enfants, ça me plairait bien.

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Sur ton site, tu as une partie blog, où tu partages avec nous des artistes qui t’inspirent. Pour chacun d’eux, tu définis un style. Tu utilises aussi bien des termes simples – mais précis – que très techniques et j’ai trouvé ça hyper intéressant de lire tes descriptions sur leur travail. Si tu devais te présenter sur ton blog, comment définirais-tu ton style à toi ?

Je suis ravie si tu as apprécié lire mes petits billets ! J’aime bien partager ces travaux car ils méritent vraiment d’être écoutés. Difficile de faire cet exercice sur moi-même… je dirai artisanal, spontané, qui garde son âme d’enfant.

Est-ce que tu as une spécialité ? Je veux dire par là, des outils et/ou matériels favoris dans ton processus de création ? Quels logiciels/plugins utilises-tu ?

Pour le montage son, j’utilise le logiciel Protools, un logiciel très utilisé dans la post production son. Ensuite, j’aime utiliser la technique du « sampling » qui consiste à découper des sons et les mettre sur les touches d’un clavier pour les déclencher à l’image, les empiler, un peu comme si je jouais à un jeu vidéo. Pour ça, j’utilise l’instrument Kontakt de chez Native Instrument. J’adore aussi prendre plein d’objets et des instruments de musique, enregistrer de courtes manipulations de ces derniers et les combiner, j’adore utiliser les codes du bruitage quand j’ai le temps.

Le milieu du son c’est comment, c’est un milieu qui est genré ? Sexiste ?

De mon expérience, j’ai croisé peu de femmes mais celles que je connais sont très respectées et au contraire, les réactions sont positives. J’entends souvent : « Ça fait plaisir de voir une femme dans les studios ! » Cette phrase est un poil agaçant car, encore une fois, on s’attarde plus à un genre qu’à la maitrise d’une profession.       

Dans n’importe quel métier, il peut y avoir du sexisme. Mais c’est encore une fois du cas par cas. On peut tomber sur des personnes qui ont des soucis d’ego et ce peu importe le sexe. Pour ma part, personne n’a jamais jugé la qualité de mon travail par rapport à mon genre. Au contraire, j’ai l’impression que dans le son on s’attarde sur le savoir-faire d’une personne, homme ou femme. C’est très rassurant.            

Les seules remarques que j’ai pu entendre qui m’ont fait grincer des dents, c’est : « Ah c’est toi qui enregistres ? Ah c’est toi qui fais le sound design ? » À vrai dire c’était plus souvent de la maladresse que de la méchanceté.      

Donc, majoritairement, c’est quand même un milieu masculin. Mais comme je le disais, on est plus souvent confronté à des soucis d’égo que de sexisme car si tu es bien dans tes baskets et que tu fais ton métier avec passion, on ne t’embête pas. On ne peut que te respecter.   

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As-tu déjà eu le sentiment d’être bridée dans ton travail ou dans tes opportunités parce que tu es une femme ?

Le fait d’être une femme ne m’a jamais posé problème, j’avais plus du mal à être crédible par rapport à mon âge qui sous-entendait un manque d’expérience, ce qui semble évident. On a pu plusieurs fois me prendre pour une stagiaire. Mais il a fallu que j’apprenne à me mettre en avant, chose assez difficile quand on est plutôt discrète. 

Est-ce qu’il y a beaucoup de femmes qui font le même métier que toi ? Peux-tu nous partager ton avis sur le positionnement des femmes dans l’industrie du son ?

Oui beaucoup de femmes font du montage son et du sound design ; je pense simplement qu’elles ne sont pas autant médiatisées que les hommes. Ce qui est vraiment nul. SoundGirls.org par exemple est un site qui présente de nombreux profils de femmes dans l’industrie du son.    

Le plus compliqué c’est sûrement dans le milieu du spectacle où on doit faire face à du machisme maladroit… du genre : « Ohla, soulève pas ça c’est trop lourd pour toi ! » Une ingénieure / technicienne du son anglaise, Kim Watson a été confrontée à cette situation et son mentor lui a dit : « You lift with your mind not your muscles. »  Ce genre de phrase donne du courage.

 Il y aura toujours des personnes qui auront des remarques misogynes, mais de nos jours, le métier se montre professionnel et soutient les femmes. Elles sont très respectées à juste titre car compétentes, passionnées et inspirantes. Il faut s’accrocher car c’est un milieu très compétitif, il y a beaucoup de monde, hommes et femmes, qui exercent ce métier. Et chacun à son mot à dire. Aujourd’hui la question du genre ne devrait plus être un critère de choix.

Est-ce que tu as des conseils ou des leçons que tes années de travail t’ont apportés que tu aimerais partager ? Un dernier mot ?

C’est un travail qu’il faut faire consciencieusement sans trop se prendre au sérieux. Rester curieux, toujours se remettre en question et chercher l’inspiration, se faire violence quand on a la sensation de stagner. On ne peut pas plaire à tout le monde mais ce n’est pas pour ça que notre travail n’est pas de qualité.           

Il me reste plein de choses à découvrir et à enregistrer. Donc merci de m’avoir donné l’occasion de faire ce témoignage, comme un « check point » de parcours.               

Et pour terminer je citerai quelques consœurs dont je recommande le travail :                 
Fanny Bricoteau (Monteuse son/Sound Designer), Marie Doyeux (ex Mixeuse/Monteuse son/Sound Designer qui aujourd’hui a fondé son projet De Vive Écoute), Claire André (Bruiteuse), Pauline Freche (Sound designer chez Gameloft), Anne Pascale (Ingénieure son) , Aurélie Raoût Ingénieure son/Sound designer et Violette Libaut (Directrice, Réalisatrice et Ingénieur son chez Rosalie).

Ça y est, c’est la fin de cette interview. Célia je te souhaite une très bonne continuation et merci beaucoup pour ton temps et ton partage !

Une interview menée par Cheyenne Canaud-Wallays
www.cheyennecw.com

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Ce mois-ci, nous vous proposons un portrait un peu différent de ceux auxquels nous vous avons habitué.e.s. En effet, Marine Tuloup nous propose d’embarquer dans l’univers de Charlotte Salomon (1917-1943) dont elle est admirative du travail. Elle voit dans les œuvres de la peintre et dans son « Vie ? Ou Théâtre ? » des interconnexions avec la technique de l’animation. Les tableaux de Charlotte Salomon proposent de véritables intentions de mise en scène et les poses des modèles sont comme autant de poses clés qui décortiquent le mouvement. Marine Tuloup nous montre que les ponts sont nombreux entre la discipline de Charlotte Salomon et celle de l’animation.

En juin dernier, lorsque j’ai participé à une conférence « en ligne » organisée par Les Femmes s’Animent à l’occasion du festival d’Annecy, on m’a demandé d’évoquer mon héroïne « du moment ». J’ai immédiatement pensé à Charlotte Salomon, dont l’œuvre « m’accompagne » depuis une dizaine d’années. Mais impossible de résumer en deux minutes mon admiration profonde pour cette femme. Et surtout, par où commencer ?

Charlotte Salomon a réalisé entre 1940 et 1941 « Vie ? Ou Théâtre ? », une œuvre colossale, digne des plus grands peintres modernes. Exilée en France, persécutée par le régime Nazi et la France de Vichy, anéantie par la révélation d’un lourd secret familial, elle a résisté à la fatalité grâce à son art. Elle y a transcendé les drames et les interdits qui l’entravaient. En moins d’un an elle a produit 1325 peintures pour mettre en scène le récit de sa vie.

Collection Jewish Historical Museum, Amsterdam – © Charlotte Salomon Foundation
® Charlotte Salomon

J’ai découvert Charlotte Salomon en 2011, au hasard d’une exposition au Contemporary Jewish Museum de San Francisco qui présentait une partie de « Vie ? Ou Théâtre ? ».

Comme souvent au musée, j’ai abordé en dilettante les allées de l’installation, au gré de mes impressions, sans connaitre le contexte dramatique dans lequel ce travail avait été réalisé.  Dans un premier temps je n’ai pas bien compris cette histoire complexe si tragique. Je l’ai d’autant moins comprise que ces peintures semblaient déborder d’un immense appétit de vie. Mais la gravité du contexte familial et historique dans lequel elle a été réalisée m’a vite rattrapée.

La vivacité du récit de cette jeune femme m’a touchée en plein cœur : sa capacité de résistance, l’affirmation de son désir de vivre face à l’innommable. Sa légèreté, son ironie, la grâce de sa réponse au Tragique. Son art, si particulier, si dense et fascinant. J’ai été saisie par l’inventivité de cette artiste pour son époque, par la vitalité et le mouvement de ses peintures, par ses couleurs, par l’originalité de son style.

J’ai vite éprouvé une grande familiarité avec cette œuvre, sans doute parce qu’elle s’apparentait à la matière visuelle avec laquelle je travaille au quotidien, sur les films d’animation que j’accompagne. Je retrouvais dans ses peintures des cadrages et des décors de films, des bribes de storyboard.

Parfois des mises en scène visuelles : champ-contrechamps, jeux d’ombres, jeux avec le hors champ, partage de cadre. Souvent aussi des poses clés d’animation : par la répétition d’un même personnage dans les plans matérialisant des mouvements, des actions, des trajectoires ou même des dialogues.

Enfin un véritable travail de « montage », jouant avec la continuité temporelle, ou racontant la même scène du point de vue de plusieurs personnages.

Collection Jewish Historical Museum, Amsterdam – © Charlotte Salomon Foundation
® Charlotte Salomon

Sur un plan plus personnel, j’ai trouvé un écho à mes propres marottes de jeune fille. Le vertige de la passion amoureuse… les non-dits et les interdits dans l’éducation bourgeoise… la place fondamentale de l’art dans la vie : du chant, de la musique, du théâtre et du cinéma en particulier.

Cette exposition a été une rencontre. J’ai eu besoin d’en savoir plus, de comprendre le parcours de cette jeune femme et le sens de son art. Je me suis plongée dans son histoire, documentée sur sa vie et son œuvre.

J’ai parcouru encore et encore « Vie ? Ou Théâtre ? » dans les diverses éditions parues depuis 2011. J’ai vu les films de Richard Dindo et Franz Weisz, lu des biographies, articles de presse, ouvrages d’histoire de l’art, écouté des conférences, des émissions de radio…. J’ai pisté les nouvelles expositions lui étant dédiées. Comme pour résoudre une énigme, rassembler les pièces d’un puzzle.

Pourquoi cet entêtement ? Pour honorer sa mémoire ? Pour répondre à son absence, à sa disparition ? Pour lui rendre hommage en appréciant le plus intensément possible son art, et son aspiration à vivre et à créer ? Pour affronter la part de culpabilité que je porte vis-à-vis de la Shoah, moi qui suis issue d’une famille française catholique ? Plus je la côtoie et plus cette œuvre me fascine, me nourrit. Et j’ai découvert que nous étions nombreux à nous être « approprié » cette histoire, à nous en sentir proche alors qu’elle est pourtant très particulière et tragique.

La sensibilité féminine de son récit est l’une des raisons de mon attachement à l’œuvre de Charlotte Salomon. L’exaltation qui émane de son travail m’est familière « de par son genre ». Je serais bien en peine de l’expliquer davantage. Cet élan, cette frénésie, cette fragilité m’ont parlé.

J’ai aussi été sensible aux regards féminins portés sur « Vie ? Ou Théâtre ? » dans la documentation que j’ai parcourue. J’ai apprécié dans ces approches, par opposition à certaines appropriations ou interprétations malvenues, une forme d’humilité bienveillante qui laissait toute sa place à l’œuvre de Charlotte Salomon, sans la parasiter, tout en revendiquant la place qui lui est due. Cette place qui lui a été volée et interdite.  

Ainsi par exemple « To paint her life, Charlotte Salomon in the Nazi Era » [1], la biographie de Mary Lowenthal Felstiner. Ou l’étude de Darcy C. Buerkle  [2] sur le contexte historique et sociologique dans lequel s’inscrit la tragédie familiale des suicides de la famille Salomon. Enfin et surtout les travaux de l’historienne de l’art féministe Griselda Pollock, auteure de “Charlotte  Salomon and the Theatre of Memory” [3], une véritable bible pour appréhender la densité et la grandeur de l’œuvre de Charlotte Salomon.

Qu’est-ce que « VIE ? OU THÉÂTRE » ?

« Vie ? Ou Théâtre ? » est une sélection de près de 800 gouaches, rassemblées dans une pièce en trois parties, que la narratrice décrit comme un « Singespiel » (opérette populaire). Sur certains des feuillets sont inscrits des textes poétiques, des dialogues, des descriptifs, des références musicales ou des textes de chansons. Ces lignes, écrites sur des calques transparents, puis progressivement au pinceau à même la toile, suivent harmonieusement le mouvement de sa peinture. C’est un récit d’une force et d’une intensité égalant les plus grands chefs-d’œuvre, à la croisée de l’art moderne et du cinéma.

Il ne s’agit pas simplement de peinture, mais d’une œuvre aux dimensions multiples « Une conception acoustique visuelle et narrative, (…) un ouvrage immense et presque cinématique » pour reprendre les mots de Griselda Pollock.

J’ai longtemps essayé de comprendre le lien entre la vie de Charlotte Salomon et le parcours des personnages de « Vie ? Ou Théâtre ? ». Dans mon esprit cartésien (ou psychorigide ?), l’un devait forcément être cohérent avec l’autre, et peut être trouverais-je ici la clé du mystère.

Mais « Vie ? Ou Théâtre ? » tient plus d’une autofiction que d’une autobiographie. Les personnages de la pièce sont des doubles fictionnels inspirés de la vie de Charlotte Salomon qu’elle a mis en scène. Cette mise en scène est le théâtre d’une vérité que son imaginaire a fait éclore.

Prenant ses distances avec la réalité elle est devenue ses personnages pour mieux rendre compte de leur point de vue. Elle a leur a donné de nouveaux noms, chacun doté d’une ironie signifiante, comme dans une pièce de Brecht.

Le personnage central, Charlotte « Kann », est le double de Charlotte Salomon. Le récit évoque son histoire et celle des femmes de la famille de Charlotte Salomon : sa mère Franciska Gründwald , sa belle-mère Paula Lindberg et sa grand-mère Marianne Gründwald.

La partie principale de « Vie ? Ou Théâtre ? » est consacrée à Amadeus Daberlohn, l’étrange professeur de chant de sa belle-mère. Il est aussi et surtout l’amant de Charlotte Kann, et son mentor. Il l’a encouragée à peindre. Elle lui voue une admiration absolue, l’investit d’une passion inconditionnelle, voire obsessionnelle. « Vie ? Ou Théâtre ? » expose de nombreuses théories de Daberlohn : la recherche de la vérité par le travail de la voix, la rédemption au travers du voyage Orphique, le cinéma comme nouvelle religion du monde moderne…. On y reconnait les thèmes de prédilection d’Alfred Wolfsohn, qui côtoya la famille Salomon à la fin des années 30.

La deuxième figure emblématique masculine du récit, bien plus sombre et menaçante, est celle du Professeur Knarre, le grand-père maternel de Charlotte Kann. Cet être cynique égocentrique et monstrueux de froideur est un adepte, selon les mots de la narratrice, du jeu de « la comédie de l’homme cultivé ». La pièce se termine autour de ce personnage, décrivant le ressentiment de Charlotte à son égard, sa nécessité de s’en affranchir. En 2011 Franz Weisz a rendu publique une lettre issue des documents retrouvés avec « Vie ? Ou Théâtre ? ». La famille de Charlotte Salomon avait jusqu’alors refusé de rendre publique ces feuillets dans lesquels Charlotte (Kann) s’accuse d’avoir assassiné son grand-père en lui préparant une omelette au Véronal (un poison mortel). La présence fantomatique et symbolique de ce grand-père dans de nombreuses planches de la pièce laissent penser qu’il eût une part de responsabilité dans la destinée tragique des femmes de la famille de Charlotte.

Collection Jewish Historical Museum, Amsterdam – © Charlotte Salomon Foundation
® Charlotte Salomon

Charlotte Salomon – Éléments Biographiques :

Charlotte Salomon est née en 1917 dans une famille juive allemande. Fille unique, elle est issue de la bourgeoisie berlinoise. Elle perd sa mère à 9 ans, « d’une grippe » lui dit-on. Elle est élevée par son père, Albert Salomon, chirurgien, et sa belle-mère Paula Lindberg, une cantatrice de renom.

L’arrivée d’Hitler au pouvoir précipite la fuite de Charlotte en 1939. Elle rejoint seule les Grünwald, ses grands-parents maternels, réfugiés depuis quelques mois dans le sud de la France, à Villefranche-sur-Mer. Ottilie Moore, une Américaine amatrice d’art les accueille. Elle achète à Charlotte Salomon ses premières toiles, l’aide financièrement.

Désespérée par la progression inexorable de l’armée Allemande, la grand-mère de Charlotte se défenestre en mars 1940. Le Dr. Grundwald révèle alors froidement à sa petite-fille la tragédie familiale qu’on lui a cachée jusqu’ici : ce suicide est le 7^ème d’une lignée familiale maternelle. La mère de Charlotte n’a pas été emportée par la grippe mais elle s’est suicidée, comme l’avait fait sa tante quelques années plus tôt.

Puis en juillet 1940, l’étau se resserre autour de Charlotte et de son grand-père qui sont internés quelques semaines au camp de Gurs dans les Pyrénées, en tant que ressortissants allemands exilés en France. La santé fragile du Dr. Grunwald leur permet de regagner Nice. Charlotte Salomon prend alors des distances vis-à-vis de son grand-père et trouve refuge dans une pension à Saint Jean Cap Ferrat. Elle décide, pour ne pas sombrer dans la folie et le désespoir, d’« entreprendre quelque chose de vraiment fou et singulier » et de s’atteler à la réalisation de « Vie ? Ou Théâtre ? ». Elle peint jour et nuit au rythme des mélodies qu’elle fredonne sans relâche. Pendant près d’un an, elle consacre sa vie à ce récit choral inspiré de sa vie et de l’histoire de sa famille. 

En février 1943, son grand-père meurt. En juin, Charlotte épouse Alexandre Nagler, un protégé d’Ottilie Moore. Les arrestations de Juifs se multiplient. Se sentant menacée, Charlotte confie ses peintures à son médecin, pour qu’il les mette en sécurité. En septembre 1943 le couple est dénoncé, arrêté puis déporté. Enceinte de cinq mois, Charlotte Salomon sera assassinée dès son arrivée au camp d’Auschwitz.

Son père et sa belle-mère, exilés en Hollande, reprendront possession de son travail en 1947.

Le Jewish Historical Museum d’Amsterdam en est aujourd’hui le dépositaire, et rend publique en ligne l’œuvre de Charlotte Salomon dans son intégralité : à découvrir en ligne.

un article de Marine Tuloup

[1] « To paint her life, Charlotte Salomon in the Nazi Era », Mary Lowenthal Felstiner Published by University of California Press, 1994

[2] Charlotte Salomon’s Interventions : Darcy C. Buerkle, Associate Professor of History at Smith College, explores Salomon’s tragic life as she discusses her book, “Nothing Happened: Charlotte Salomon and an Archive of Suicide,” as part of the Holocaust Living History Workshop sponsored by UC San Diego. Series: “The Library Channel” [4/2016] [Humanities] [Show ID: 30121]

[3] «Charlotte  Salomon and the Theatre of Memory», Griselda Pollock, Published by Yale University Press, 2018

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Catherine Aladenise, monteuse depuis plus de 20 ans, a répondu aux questions d’Ivy Buirette. Dans ce passionnant entretien, elle revient sur son parcours riche en expériences (animation, live, enseignement – entre autres), détaille ce qui fait la spécificité de son métier, les évolutions précipitées par l’arrivée du numérique et la place que les femmes tiennent dans ce secteur.

Catherine Aladenise, vous êtes monteuse, principalement de films d’animation mais aussi de documentaires et de fictions en prise de vues réelles. Pouvez-vous commencer par nous rappeler en quoi consiste votre métier dans l’animation et en quoi celui-ci diffère de la prise de vues réelles ?

En animation, la différence fondamentale au montage avec la prise de vues réelles, c’est qu’on ne dispose pas de plusieurs prises par plan, et que les plans ont peu de chutes, c’est-à-dire que pratiquement tout ce qui est filmé est censé être utile. L’autre grande différence, c’est que, comme disent les Américains : en animation, le montage précède le tournage ! En effet, il existe une étape de montage qui n’existe pas en prise de vues réelles, c’est celle de l’animatique. L’animatique, c’est comme le brouillon du film, c’est une suite de dessins schématiques, au trait noir sur fond blanc, pas encore animés, avec seulement les poses-clés, parfois des sous-titres, et souvent des voix et des sons témoins. C’est une étape très importante, parce qu’elle permet de simuler le film, et d’anticiper les problèmes de récit, de rythme, de l’énergie globale, afin de valider une sorte d’ébauche pour lancer ensuite en fabrication uniquement des choses utiles. Car comme chacun sait, en animation les temps de fabrication sont très longs et les coûts importants. Le.la monteur.euse intervient donc d’abord à cette étape, à un moment où l’on peut encore modifier le scénario, le découpage, réécrire les dialogues, rectifier les axes, les valeurs de plan, etc. C’est une liberté qu’on n’a pas en tant que monteur.euse en prise de vues réelles, et qui est différente du travail d’écriture en documentaire. La difficulté à cette étape c’est de travailler avec des éléments provisoires, inachevés, il faut beaucoup imaginer, et prendre le temps de se faire expliquer les choses. On parle donc beaucoup à cette étape, le dialogue monteur.euse-réalisateur.rice est très important. Bien mieux que le story-board, l’animatique permet d’identifier avec justesse ce qui cloche, car il y a le défilement, et le son. Comme je l’ai déjà dit, ce qui est très excitant c’est qu’on peut tout changer ! On n’est pas bloqués, on réécrit, on adapte, de nouvelles idées arrivent, et petit à petit le film trouve sa forme.

Évidemment, après la fabrication, il y a une nouvelle étape de montage avec les plans animés, les décors terminés, le compositing, les voix définitives, enfin les éléments définitifs selon la technique du film, de manière à régler finement la narration, le déroulement, le souffle du film. À ce moment-là, on fixe véritablement les choses. Ce qui est bien pour le.la monteur.euse, c’est de pouvoir travailler aux deux étapes.

C’était le cas sur la saison 6 d’En sortant de l’école, qui adaptait les poèmes de Jean Tardieu. Il fallait absolument que les 13 films aient la même durée à l’image près, pas une de plus, pas une de moins. Le fait d’avoir travaillé dès l’animatique avec les réalisateur.rice.s et d’avoir eu encore une étape intermédiaire de montage durant la fabrication des films m’a permis d’anticiper cette question de la durée, de manière à ce qu’au montage final, tous les films “rentrent” naturellement dans le format imposé sans être abîmés et, très important aussi, sans douleur pour leurs auteur.rices.s. Il n’y a rien de pire que de devoir couper à la dernière minute dans la précipitation. J’aime que les décisions soient réfléchies, senties, et surtout j’aime quand on trouve les bonnes ! Ça demande un peu de temps, mais au final ça permet d’en gagner beaucoup… car l’avantage des bonnes décisions, c’est qu’on ne revient pas dessus !

Quelle est votre approche personnelle du montage ?

Je crois que j’ai une approche très libre, qui se réinvente à chaque projet. Ma manière de travailler est extrêmement différente selon le film, elle s’adapte au projet, je ne m’impose rien et me sers de mes expériences sur des films d’art, des documentaires ou des films expérimentaux, puisque j’ai la chance de travailler à la fois dans tous ces domaines. Au début de ma carrière j’ai monté beaucoup de films au Fresnoy*, et je poursuis des collaborations avec des artistes plasticien.iennes.s, notamment Patrick Bernier et Olive Martin avec qui je travaille depuis une quinzaine d’années. Pour en revenir à la méthode, c’est en travaillant qu’on la trouve, dans la collaboration avec le ou la réalisateur.rice, et l’équipe élargie le cas échéant, scénariste, storyboarder, ingénieur.re du son, bruiteur.euse… Concrètement, ça veut dire que, selon les cas, je peux commencer par travailler au rythme du dialogue, ou par vérifier la sensation du temps et le passage des ellipses, ou par clarifier la mise en scène, ou l’espace par le découpage… selon la manière dont les choses se présentent. Il m’arrive aussi de commencer par caler soigneusement des sons, ambiances et effets, afin de sentir concrètement le passage du temps dans le film et la durée des séquences. C’est très difficile pour moi de travailler sur une matière muette. Ce n’est pas du tout mon truc, il me faut du son ! Le cinéma c’est la rencontre de l’image et du son. Sans le son, on a une perception intellectuelle, mentale du récit. Or, le cinéma c’est du sensible autant que du sens. C’est le son qui nous donne la perception juste des éléments mis en jeu, l’énergie globale du film, énergie qui raconte autant que le récit à proprement parler, comme le dit Walter Murch, le monteur de Francis Ford Copolla, qui parle de la relation intrinsèque qui existe entre le récit lui-même et le rythme auquel il est mené**. C’est une question qui m’a toujours intéressée, avant même d’être monteuse : la dynamique du film continue à raconter, c’est véritablement une partie de l’écriture d’un film. Et selon moi, ça se joue beaucoup au point d’intersection entre l’image et le son. C’est pour cette raison que la dénomination “monteur image” m’agace tellement : elle est inappropriée. Celui qui a inventé ça, il n’a pas dû mettre souvent les pieds en salle de montage !

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En 2006 dans la salle de montage 35 mm de Ne touchez pas la hache de Jacques Rivette

Vous êtes diplômée de La Fémis, l’École nationale supérieure des métiers de l’image et du son. Avant cela, quel a été votre parcours ? Par la suite, comment êtes-vous entrée dans le monde de l’animation et pourquoi avoir choisi cette voie ?

Après un bac littéraire, j’ai fait 2 ans de classes préparatoires en lettres, hypokhâgne et khâgne, je n’arrivais pas à choisir entre la littérature et la philo, ça m’a permis de tout mener de front, ainsi que les langues, l’histoire, la géo… Durant ces années intenses, mon intérêt pour les arts en général s’est énormément accru, c’était ma soupape de décompression : musique, peinture, sculpture, théâtre, et surtout cinéma. Je suis devenue bénévole dans une salle Art et Essai, je voyais beaucoup de films, j’ai travaillé pour plusieurs festivals de cinéma. J’ai poursuivi mes études à la fac en Lettres modernes, j’étais passionnée par le mouvement surréaliste, et en Maîtrise j’ai écrit un mémoire sur André Breton. Mes recherches ont tourné notamment autour de la question de la réalité, et finalement cette question m’a amenée à entamer à l’Université de Poitiers une formation documentaire intitulée “Filmer le réel”***. Avide de davantage de pratique, je suivais des stages Super 8, et c’est comme ça que j’ai découvert avec passion le montage, sur pellicule donc, en Super 8, en grattant la pellicule avant de la coller à la colle polymérisante ! J’ai alors préparé le concours de la Fémis, en section montage, et c’est là que j’ai commencé à apprendre mon métier, durant quatre années très très remplies. J’ai pratiqué le montage vidéo, U-matic, Bétacam, ces formats qui ne disent plus rien aujourd’hui à mes élèves ! Et puis, surtout, le montage sur table 16 mm et 35 mm.

Quant à l’animation, j’ai toujours eu un goût pour les films animés, ça date de Creature Comfort, le court-métrage de Nick Park, qu’on a découvert avec mon frère en 1989. C’était délicieux : le dispositif documentaire de l’interview, les voix, les accents… Un vrai choc ! Par la suite, mon frère a réalisé des petits films en stop motion, et moi j’ai suivi un atelier animation à la Fémis avec les Arts déco, et puis, le hasard a fait que mon premier contrat à la sortie de l’école a été un court métrage d’animation (Yaourts mystiques de Sylvie Guérard, une cheffe opératrice de la Femis) qui a beaucoup tourné en festival. Au fil des ans, je suis intervenue à La Poudrière, l’école de Valence qui forme à la réalisation de films d’animation.

Le montage est souvent considéré comme une discipline technique. Qu’en pensez-vous ?

En vérité le montage c’est un sacré mélange ! Quand je suis arrivée dans ma spécialité à la Fémis, après une année de tronc commun, j’ai tout de suite compris que j’avais trouvé ma voie avec le montage parce que c’était un vrai métier : à la fois technique, manuel (les manipes en pellicule), réflexif, intellectuel, et sensible. Ça se poursuit autrement aujourd’hui avec le montage numérique, c’est bien sûr moins manuel, la technique est différente, les questions sont d’ordre informatique, les codecs, la logique du workflow, les échanges avec les nombreux logiciels impliqués dans la chaîne, surtout en anim, et puis le son… Mais c’est toujours une discipline artistique. Pourquoi d’ailleurs opposer les deux ? C’est comme opposer le corps et l’esprit. Dans le cas du montage, les deux dimensions, artistique et technique, s’entremêlent. Avec en plus beaucoup de relationnel. C’est une discipline très complète ! Et c’est précisément ce que j’aime.

Timeline du montage de l’installation multi-écrans pour l’exposion Lumière ! un héritage pour demain à la BNF

Quel est votre rapport au dessin ?

Aucun ! Je veux dire que je ne dessine pas, ou plus, depuis longtemps. Je le regrette, mais je suis d’autant plus ravie de m’approcher des univers graphiques et visuels complètement fous de mes réalisateur.rice.s. Au moment où je découvre la matière visuelle avec laquelle je vais travailler, c’est pour moi un peu comme si je recevais un cadeau, je me sens vraiment chanceuse d’être à ma place. Je suis très sensible aux couleurs, à la forme, aux motifs, je suis synesthète, c’est peut-être à cause de ça… En tout cas, je reste très admirative des gens qui n’ont pas coupé avec ces pratiques plastiques qu’on a tous quand on est enfant, ça me fait rêver, et j’aime participer avec mon approche de monteuse à construire des films avec ces matériaux-là.

En tant que monteuse, je tâche de veiller à laisser cette dimension plastique exister, c’est-à-dire à lui faire de la place, il ne faut pas que le montage l’ignore, surtout en début de film. Les réalisateurs ne sont pas toujours conscients du plaisir de spectateur que suscite la découverte de leur univers visuel, c’est donc au monteur de les y rendre attentifs.

Aujourd’hui, vous participez vous-même, en tant qu’intervenante, à la formation de nombreux élèves en écoles d’animation (La Poudrière, l’EMCA…). Qu’est-ce que cela vous apporte d’un point de vue professionnel et personnel ? Quelle importance donne-t-on au montage dans les écoles d’animation ?

Une importance grandissante ! Et on fait bien ! Le montage a longtemps été négligé dans la production des films d’animation, en particulier en France, c’était un tort, de nombreux films en ont pâti, c’est dommage. Mais heureusement ça change. Le.la monteur.euse est un partenaire de choix dans le dialogue autour de la mise en scène et de la narration. On le sait maintenant en production, et par répercussion également dans les écoles. Certaines d’entre elles ont été pionnières dans la relation aux monteur.euse.s, comme la Poudrière à Valence, qui, depuis très longtemps déjà, fait appel à des monteur.euse.s pour encadrer des ateliers sur le montage avec les étudiants, et aussi pour suivre et monter les films des étudiants.

Dans ma pratique de monteuse, la rencontre avec de jeunes apprentis est très enrichissante, notre rôle de monteur.euse est encore plus important quand on accompagne un premier film, quand c’est la première fois que ces jeunes réalisateurs travaillent avec un.e monteur.euse. Ça peut être un peu déstabilisant : le monteur arrive, et boum, il met les pattes dans le projet, remet tout en cause, bouscule des choses, bon, ça demande un peu de délicatesse quand même !

Ce qui est génial dans les écoles quand on suit une promo entière où chacun fait un film, c’est de voir naître beaucoup de films en même temps, une école c’est un peu comme une pouponnière. Je fais des sessions de 4 à 5 jours où je vois un projet par heure, et lors des premières interventions, ce sont uniquement des films naissants, encore embryonnaires. Ça va très vite, les projets sont tous singuliers, n’ont parfois rien en commun, il faut s’adapter à chacun, découvrir la personnalité de l’auteur, comment dialoguer avec lui, analyser rapidement le film, repérer les problèmes, trouver des pistes de solutions… Et puis savoir formuler les choses qu’on a vues, identifier et retrouver le désir initial qui a lancé le film, rebrancher parfois l’auteur.rice avec ce premier désir, conserver ce qui, dans le film, en est porteur. Et au bout d’une heure, on change de projet ! C’est très stimulant, ça demande d’être vif, au meilleur de sa forme, un peu comme dans un sport de haut niveau. On apprend beaucoup sur le cinéma de cette manière.

Votre Parcours est impressionnant (voir sa Filmographie), vous avez notamment travaillé sur Ernest et Célestine, de Benjamin Renner ou Pépé le morse, de Lucrèce Andreae. Quelles sont les expériences qui vous ont le plus marquées et pourquoi ?

Je vais peut-être vous surprendre mais il faut remonter à mes débuts pour cela. Les expériences fondatrices pour moi ont sans doute été les premiers films montés à l’école, notamment avec un réalisateur de ma promotion, Djibril Glissant, avec qui nous avons eu un dialogue très riche sur les films que nous montions et sur le cinéma en général, comme sur beaucoup d’autres sujets d’ailleurs ! On peut dire que nous avons “grandi” ensemble à l’école, et notre collaboration s’est poursuivie après l’école, jusqu’à aujourd’hui avec des projets pour des musées, des films animés justement (notre dernier projet en commun ce sont les films pour la version rénovée du Musée Electropolis de Mulhouse, pour lequel nous avons eu beaucoup recours à l’animation justement).

Et puis, il y a aussi eu mon travail comme assistante de la monteuse Nicole Lubtchansky sur les films de Jacques Rivette, qui se montaient en 35mm. Nicole et Jacques étaient des personnes avec qui j’ai adoré travailler, ils avaient beaucoup de rigueur dans le travail, et beaucoup de classe, pour moi ce sont des expériences inoubliables. J’ai appris avec eux une façon de travailler avec calme et constance, sans dépassements d’horaires fantaisistes, et avec une efficacité redoutable. Cette approche est restée gravée en moi, et j’y reviens toujours, c’est ma boussole pour travailler.

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En 2003 dans la salle de montage 35 mm de Histoire de Marie de Julien de Jacques Rivette 

Après 20 ans de carrière, comment a évolué votre métier, qu’est-ce qui a changé ?

Beaucoup de choses ont changé. L’évolution principale, bien évidemment, c’est l’arrivée du numérique. Et ça a amené du bon et du moins bon. Entendons-nous bien, il y a beaucoup de progrès pour nous monteur.euse.s dans la souplesse qu’apportent ces techniques. Ce que je regrette, c’est qu’elles entraînent souvent un déficit de conception. Je crois que la lourdeur des processus de fabrication amenait les gens à concevoir davantage, c’est-à-dire à s’entendre sur ce qu’ils cherchaient à obtenir comme résultat, et je suis persuadée que savoir ce que l’on cherche, ça aide à trouver ! Et à trouver vite. Aujourd’hui on procède beaucoup par essai-erreur : Tiens si j’essayais ça ? Bof, pas concluant, alors je vais essayer ça… Très vite, on s’embrouille, et au final, on perd le temps qu’on a pu gagner grâce à la légèreté des manipes. Avouez que c’est bête ! Comme le disait Jean Renoir, le fait que la technique soit encore difficile donnait du génie aux artistes. Il parlait des vues des opérateurs Lumière, mais selon lui c’était valable pour tous les arts naissants.

L’autre défaut amené par le numérique c’est que l’on diffère les décisions. On verra ça plus tard, on verra ça en post-prod, on verra ça au mixage… C’est important de savoir prendre les décisions au moment voulu.

Je repense souvent à la discipline que demandaient les manipulations de la pellicule en 35 mm (j’ai eu la chance de pratiquer jusqu’en 2009), ça m’aide à me concentrer, je réfléchis calmement, et je ralentis… C’est beaucoup moins épuisant de travailler comme ça, et bien plus efficace !

La collaboration entre le.la réalisateur.rice et le.la monteur.euse est primordiale. Avez-vous travaillé avec plus de réalisateurs ou de réalisatrices ? Avez-vous remarqué une différence de relation et/ou de façon de travailler selon le genre ?

Je pense que ça se partage de manière assez équitable dans ma filmographie, c’est le hasard. Il faut dire que je travaille souvent avec des couples un homme – une femme, ce qui équilibre encore les comptes ! Oui il me semble qu’on peut noter des différences dans la façon de travailler des hommes et des femmes, et que les femmes sont souvent plus dénuées d’ego et de tout ce qui va avec, les rapports de force, ce genre de choses ; ce qui les place d’emblée davantage en prise avec le film, les rend plus aptes à être à l’écoute du film qu’elles fabriquent, elles travaillent de manière plus collaborative, on pourrait aussi dire “désintéressée”, avec la conscience de travailler à quelque chose qui dépasse leur propre intérêt, quelque chose de plus grand. Mais ce n’est pas le propre des femmes d’avoir des valeurs féminines ! Je rencontre d’ailleurs ces dernières années beaucoup de garçons réalisateurs qui en sont porteurs, et avec qui la collaboration est très fluide, et en particulier dans le domaine de l’animation. Après tout, on est deux normalement, monteur.euse et réalisateur.rice, à travailler de concert pour le bien d’un film.

Je remarque aussi que les films les plus audacieux, les plus libres, les plus sincères et inventifs sur lesquels il m’est donné de travailler, ce sont très souvent des films de femmes. D’une manière générale, ce qui est passionnant à notre époque, c’est que les valeurs féminines commencent à être valorisées (pardon pour la répétition), encore une fois, le milieu de l’anim est privilégié et sûrement en pointe pour ça, pour des raisons qu’il faudrait explorer. C’est une question qui m’intéresse beaucoup, dans mon propre parcours également, car ma façon de travailler a énormément changé avec les années, je laisse beaucoup plus de place aujourd’hui à mon côté féminin, à ma spontanéité, et surtout à mon intuition, c’est très agréable de s’autoriser ça, je trouve qu’on travaille beaucoup plus vite comme ça. Les choses se règlent plus rapidement, les idées fusent, on trouve plus vite les solutions. Et en plus on rigole beaucoup plus ! J’ai un plaisir immense à faire équipe avec d’autres femmes qui en font autant et avec des hommes qui laissent tomber les “personnages” pour être eux-mêmes, avec leur part féminine, pour le plus grand bien du travail en cours. Précisons que je travaille fréquemment avec des gens qui ont 10 ou 20 ans de moins que moi, et les évolutions sur les questions de genres sont très engagées dans leurs générations, je m’en aperçois quand je retrouve des gens de mon âge, parfois encore très crispés sur des stéréotypes du monde d’avant. ; )

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Quelques films sur lesquels Catherine Aladenise a travaillé…

Le métier de monteur.euse est un métier souvent exercé par des femmes. Elles restent néanmoins entourées d’une majorité de collègues masculins, notamment aux postes décisionnaires. Votre genre a-t-il déjà été ressenti comme un frein dans votre carrière ou, au contraire, cela vous a-t-il ouvert des portes ?

Les deux je pense. Historiquement, le métier de monteur.euse est plutôt féminin, ça vient, je crois, du montage négatif, tâche minutieuse traditionnellement confiée à des femmes au sein des labos. Depuis l’arrivée du numérique, les choses s’équilibrent. Mais il me semble que dans ce métier, ce n’est pas un handicap trop fort d’être une femme, pas plus en tout cas que dans le monde professionnel en général… Ce qui laisse à penser, premièrement, qu’il y a bien un handicap à être une femme dans le monde professionnel, et deuxièmement que c’est une chose totalement intégrée par les femmes de ma génération ! Ça laisse tout de même songeur, non ? Heureusement les jeunes générations vont changer tout ça…

Pour finir, y-a-t-il une œuvre qui vous a marqué récemment que vous souhaitez partager ?

Ce qui m’a marqué récemment n’est pas forcément très récent : l’année dernière, j’ai découvert au Jeu de Paume le travail de l’artiste Florence Lazar, Tu crois que la terre est chose morte… J’ai été très marquée par le film qu’elle a fait sur une cultivatrice de dachines en Martinique qui, tout en travaillant, élabore un discours passionnant où se croisent les questions écologiques et post-coloniales.

Et puis, j’ai redécouvert Chantal Akerman : Jeanne Dielman, Là-bas, D’Est, Sud, Toute une nuit… j’ai parfois du mal à voir ses films en entier, ils m’envoient des uppercuts, le cinéma de cette femme est ren-ver-sant !

Propos recueillis par Ivy Buirette
pour Les Femmes s’Animent

* Studio national des Arts contemporains, à Tourcoing.
** En un clin d’oeil: Passé, présent et futur du montage, Walter Murch, Capricci, 2011
*** Formation qui était l’ancêtre du Creadoc d’Angoulême, qui lui forme au documentaire de création.

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Chez Mikros Animation, c’est la recette de la potion magique qu’ils ont trouvée ! En effet, après le premier long métrage Astérix et le Domaine des Dieux, le studio – qui gère le design ou la 3D de très grands producteurs comme Dreamworks ou Paramount – poursuit la production exécutive avec M6 sur le deuxième long métrage d’Alexandre Astier et Louis Clichy, Astérix : le secret de la potion magique.

Avec ce projet, c’est tout un changement d’échelle qui s’opère au sein du studio et il est plus que réconfortant de constater que des femmes y aient joué un rôle important. Rencontre avec des femmes engagées qui dévoilent les coulisses du studio français qui n’en finit plus de faire parler de lui.

La grande innovation sur Astérix, c’est l’équipe féminine ! En effet, pour accompagner les deux réalisateurs Louis Clichy et Alexandre Astier, ce sont deux femmes d’exception que Mikros a choisi : Marion Bayard (line producer) et Stéphanie Aubriot (CG supervisor).

Mikros Animation (filiale de Mikros Image, société du groupe Technicolor) dispose de trois sites à Montréal, Paris et Londres, un des objectifs étant de conserver une taille humaine dans chaque lieu tout en étant proche des clients. Le choix a été fait de ne pas adopter un style propre, au contraire d’autres studios d’animation : le but est d’adapter la patte graphique à chaque projet et réalisateur. Cette volonté se reflète d’ailleurs parfaitement dans les projets du studio (Le Petit Prince, Captaine Superslip, Astérix – Le Secret de la Potion Magique…), qui ont chacun leur identité visuelle propre.

Pour Astérix : Le secret de la potion magique, le défi était de taille : pas d’adaptation, mais une création totale qui pouvait certes libérer la créativité des réalisateurs et des équipes de fabrication mais qui impliquait aussi beaucoup de contraintes. Un scénario très riche en voyages et donc en décors, un nombre de plans en forte hausse (1400 contre 1050 pour le premier volet Le domaine des Dieux) et l’adoption du format 2:35:1. En outre, le réalisateur Louis Clichy souhaitait pour ce second volet, un retour au style 2D très proche de la bande dessinée.

De gauche à droite : Marion Bayard, Stéphanie Aubriot

Une formation pluridisciplinaire et des stages indispensables

Pour Marion Bayard qui est arrivée chez Mikros alors que le travail sur Astérix venait tout juste de commencer, le défi était de taille. Elle a démarré comme production manager, puis a rapidement remplacé la directrice de production. Comme elle l’exprime avec une simplicité biblique, Mikros lui « a fait confiance tout simplement car elle avait fait ses preuves sur Sherlock Gnomes et Capitaine Superslip ».

Sa carrière a démarré par des études en LEA (Langues étrangères appliquées) en anglais et japonais. Au bout de quelques mois, Marion a changé de voie et a choisi d’étudier l’animation au sein de l’IIM qui proposait une formation globale avec graphisme et production – celle qui adorait être sur son ordinateur et en faisait son passe-temps a envisagé d’en faire un métier ! À une époque où l’animation 3D était encore méconnue, Marion jubile et sort diplômée avec des compétences multiples et une spécialisation en 3D. Plutôt que de choisir une entreprise pour son stage de fin d’étude, Marion décide de choisir deux entreprises et deux postes différents pour capitaliser sur ces mois très formateurs et décider vers quel domaine s’orienter. Elle arrive donc chez Cube Creative en tant qu’animatrice puis Chez Eddy en tant qu’assistante chargée de production. Elle fera un autre stage chez Marathon média à l’issue duquel Marion se voit offrir un CDI pour revenir Chez Eddy! Elle y acquiert alors une expérience formatrice dans le court-métrage et la publicité. Si le stress pouvait être au rendez-vous, elle reconnait que cette expérience l’a rendue plus forte ! Après avoir quitté Chez Eddy, Marion passe un entretien chez Mikros pour remplacer une assistante de production et pouvoir travailler sur des projets sur lesquels elle verrait un personnage se développer. Dès lors, les projets, comme Capitaine Superslip, s’enchainent et lui permettent de faire évoluer sa carrière : elle devient production manager et découvre le long métrage d’animation !

En choisissant une formation double, Marion a su convaincre Mikros de lui confier de grands projets – elle s’y connait en animation et en production et sur des projets de longue haleine c’est un atout pour parler le même langage que tous les membres de l’équipe.  En outre, Marion n’a jamais, en production, eu à déplorer trop de réactions trop genrée, ce qui est très différent en graphisme…

L’image comme une évidence

Afin de répondre aux exigences de la production du film Astérix : Le secret de la potion magique, Mikros image a mobilisé une communauté de talents de graphistes 2D/3D, composée notamment de décorateurs, de matte painters, et de spécialistes des SFX pour animer et finaliser, ce premier long métrage du studio. Stéphanie Aubriot a eu la lourde tâche d’encadrer tous les aspects de production CG de ce film, c’est d’ailleurs la 1^ère femme à être CG supervisor sur un long !

Stéphanie a eu l’occasion de livrer tous les secrets de sa potion magique lors du dernier festival d’Annecy. Elle qui voulait travailler dans l’animation depuis l’enfance a eu un parcours assez classique avec un passage en fac d’arts plastiques, une spécialisation 3D avec un DESS images de synthèses, 5 mois de stage et un emploi à la clé. Elle a enchainé avec les effets spéciaux, la publicité et les films d’animation.

« L’image a tout de suite été une évidence »

Reste que Stéphanie a ressenti dès le début de sa carrière une difficulté très genrée – « l’ambiance était très testostéronée et le premier job très difficile à décrocher ». Une fois le premier poste obtenu en tant que graphiste, les choses ont avancé ; mais la question du genre s’est à nouveau imposée quand elle a voulu évoluer professionnellement. Stéphanie constate, avec joie, que les choses ont grandement évolué depuis ! Plus le nombre de femmes intégrées aux studios et aux projets augmente, moins l’ambiance est lourde et graveleuse.

Les femmes d’Astérix

Stéphanie a travaillé sur les deux films, Marion est arrivée pour le second. Les équipes se sont féminisées de 17% pour le premier film à plus de 30% pour le second en animation ; en production, l’équipe était majoritairement féminine à chaque fois ! Plus que la féminisation, la vraie évolution est de constater que certains postes ont été confiés à des femmes ce qui n’avait jamais été fait avant pour un long métrage ! Astérix, c’est une femme CG supervisor, une femme directrice d’animation, une femme superviseur compositing et une femme directrice de production – pour la première fois, une partie de l’encadrement était féminin !

« Avoir Stéphanie, en première CG supervisor et les autres femmes en top management m’a aidé à la production, ne pas être la seule femme était rassurant pour un projet d’une telle ampleur. »

Humainement l’expérience a été extrêmement bien vécue, et jamais les femmes d’Astérix n’ont eu à souffrir de leur genre ! Leurs points de vue et leurs compétences ont été reconnus et ont permis de développer un projet de groupe.

« Uderzo était en confiance et nous avons pu réaliser le film et relever tous les challenges dans une confiance mutuelle »

La réalisation de ce film s’est faite sans filtre : la CG sup pouvait donner son avis et transmettre ses idées sans passer par un superviseur homme avant de les voir discutés ! Les femmes ont ici été impliquées dans toutes les réunions techniques et l’avis de chacun.e a été écouté et considéré ! Sur les 19 mois de production, il a fallu apprendre à travailler tous ensemble avec une équipe qui comptait jusqu’à 180 artistes.

Leurs conseils

Mikros est une entreprise qui reconnait les talents et mise sur le renouvèlement constant, et les formats variés.

Pour ce qui est de la question des femmes, il demeure aujourd’hui un paradoxe : les femmes sont nombreuses dans les écoles, mais lors des annonces et des entretiens que peuvent mener Marion et Stéphanie chez Mikros, elles ne retrouvent pas ce ratio ! Sur Sherlock, Stéphanie a eu une équipe technique de 30 personnes et n’a pu intégrer que 4 filles – alors qu’elle a, au vu de leurs compétences, embauché toutes les filles qui se sont présentées !

Les filles doutent encore beaucoup et attendent qu’on leur propose des postes à responsabilités si elles le méritent. Marion s’est vu, quant à elle, proposer des postes variés et avec des employeurs qui lui ont fait confiance pour la direction de prod ! Son prochain challenge est d’ailleurs de devenir directrice des productions – Mikros a su la convaincre qu’elle en était parfaitement capable ! Il faudrait parvenir à multiplier ce management vertueux qui croit en la compétence et pousse les gens à accepter des postes de lead sans même que cela ait été exprimé – c’est encore assez rare…

En guise de conclusion, leur souhait pourrait être que seule la bande démo et la motivation doivent désormais compter pour intégrer et évoluer au sein d’un studio !

Un article de Valériane Cariou
pour Les Femmes s’Animent

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Entretien avec Nadine Buss

Dans l’univers de l’animation, Nadine Buss exerce comme chef opératrice volume, œuvrant au cadre et à la lumière sur les films d’animation stop-motion. Elle a notamment travaillé sur de nombreux courts-métrages, parmi lesquels on peut citer La casserole d’Anatole, Negative Space et L’heure de l’ours. Mais également sur le joli long-métrage Wardi sorti en 2019.

Sophie Furlaud s’est entretenue par Zoom – période de confinement oblige – avec Nadine Buss pour mettre en lumière une profession aussi poétique que technique.

Nadine Buss par Sophie Furlaud

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